인상주의란 무엇인가? 기원, 화가들, 그리고 현대미술에 끼친 영향

인상주의는 가시적 붓터치, 야외 회화, 그리고 순간적인 빛과 일상의 묘사로 정의되는 19세기 프랑스 미술 운동이다.

인상주의란 무엇인가?

인상주의는 1860년대와 1870년대 파리에서 시작된 19세기 미술 운동이다. 짧고 가시적인 붓터치, 자연광의 변화하는 성질에 대한 강조, 평범한 주제, 그리고 포착하려는 장면 앞에서 직접 그리는 야외 회화 실천으로 정의된다. 이 운동은 2세기 동안 프랑스 회화를 지배해 온 정련된 아카데미 전통과 결정적으로 결별했으며, 그렇게 함으로써 이후 현대미술의 거의 모든 전개를 위한 토대를 마련했다.

이름 자체는 우연이었고, 본래는 모욕이었다. 1874년 4월 비평가 루이 르루아는 공식 파리 살롱에서 거듭 낙선했던 한 무리의 화가들이 마련한 독립 전시를 평했다. 르루아는 클로드 모네의 작은 화폭인 「인상, 해돋이」(1872)를 지목하며 그 작품이 미완성처럼 보인다 — 한낱 ‘인상’에 지나지 않는다 — 고 조롱했다. 화가들은 그 모욕을 받아들였고, 몇 년 안에 ‘인상주의자들’은 서양 미술을 재편하게 될 운동의 정착된 명칭이 되었다.

19세기 프랑스에서의 기원

인상주의의 뿌리는 19세기 중반으로 거슬러 올라가며, 이때 여러 흐름이 모여 아카데미 회화의 장악력을 느슨하게 풀기 시작했다. 에콜 데 보자르(Académie des Beaux-Arts)와 그 심사 살롱은 역사화, 신화화, 그리고 정교하게 마무리된 표면을 중시했다. 그 관습에서 벗어나는 것 — 현대 도시의 주제, 가시적 붓터치, 비격식적 구성 — 은 으레 거부되었다.

세 가지 선행 조류가 토양을 마련했다. 1830년대부터 파리 외곽 숲에서 작업한 바르비종파는 풍경화와 야외 스케치를 옹호했다. 외젠 들라크루아의 대담한 보색 사용은 나란히 놓인 색조들이 화폭 위에서 서로를 어떻게 강화하는지를 드러냈다. 그리고 1854년 일본이 서양 무역에 다시 문호를 열자, 호쿠사이, 히로시게, 우타마로의 우키요에 목판화가 파리로 쏟아져 들어와, 평면적인 구성, 비대칭적 화면 구성, 변조되지 않은 색을 보여 주었고, 이는 젊은 유럽 화가들에게 계시처럼 다가왔다.

이에 못지않게 중요한 발전은 기술적인 것이었다. 1841년 접이식 금속 물감 튜브의 발명은 화가들을 작업실에서 안료를 갈아야 하는 부담에서 해방시켰고, 사상 처음으로 완성작 전체를 야외에서 그리는 것을 실용화했다. 산업 화학으로 생산된 미리 조제된 선명한 안료 — 크롬 옐로, 코발트 블루, 비리디언, 합성 울트라마린 — 는 이전 세대가 결코 접하지 못한 생동감 있는 팔레트를 화가들에게 안겨 주었다.

인상주의자라 불리게 될 화가들보다 약간 연장자였던 에두아르 마네는 가교 역할을 수행했다. 그의 스캔들을 일으킨 화폭들 — 「풀밭 위의 점심식사」(1863)와 「올랭피아」(1865) — 은 평평하고 거친 붓질의 물감을 동시대적 주제에 적용했고 지속적인 논쟁을 야기했다. 마네 자신은 결코 인상주의 그룹과 함께 전시하지 않았지만, 그가 자신의 작품을 아카데미적 매끄러움으로 칠해 마감하기를 거부한 것은 더 젊은 화가들에게 확장할 모델을 제공했다.

운동에 이름을 부여한 1874년 전시

1870년대 초가 되자 긴밀한 화가들의 동인 — 클로드 모네, 피에르-오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레, 에드가 드가, 베르트 모리조 등 — 은 클리시 대로의 카페 게르부아에서 만나 화폭과 좌절, 그리고 살롱 체계가 결코 자신들을 통과시키지 않으리라는 확신을 공유하고 있었다. 그들은 자신들만의 독립 전시를 열기로 결정했다.

첫 번째 전시는 1874년 4월 15일 카퓌신 대로 35번지, 사진가 나다르의 옛 작업실에서 개막했다. 30명의 화가가 165점의 작품을 전시했다. 도록의 제목은 ‘화가, 조각가, 판화가 익명 협회(Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs)’였다. 선언문도 없었고, 공유된 양식도 없었다 — 오직 아카데미적 문지기 역할에 대한 공유된 거부만 있었다.

풍자지 『르 샤리바리』에 실린 르루아의 빈정거리는 비평이 끝내 자리 잡게 된 용어를 만들어 냈다. 1876년에서 1886년 사이 여덟 번의 그룹 전시가 잇따랐고, 매번 참여 명단이 바뀌었다. 1886년 5월의 여덟 번째이자 마지막 전시에 이르렀을 때 운동은 대체로 분열되어 있었다. 모네, 르누아르, 시슬레는 더 이상 참여하지 않았고, 조르주 쇠라와 폴 시냐크 같은 더 젊은 인물들은 이미 신인상주의를 향해 나아가고 있었다.

정의적 특성들

인상주의는 하나의 교리라기보다 서로 관련된 일련의 습관에 가까웠다. 그룹의 다양한 실천을 가로질러 이들 특질은 일관되게 반복되었고, 그리하여 일상적인 의미에서 ‘인상주의적’이라는 말이 무엇을 뜻하는지를 규정하게 되었다.

이 가운데 가장 직관에 반하는 것은 그림자의 처리였다. 아카데미 화가들은 형태를 모델링하기 위해 갈색과 검정을 사용했지만, 인상주의자들은 검정을 거의 완전히 폐기하고 그림자를 보라색, 청색, 그리고 보색으로 표현했다. 그 결과는 살롱의 화폭에 익숙한 관람자들에게 놀라운 밝음으로 다가왔다 — 어느 초기 비평가가 불평했듯이, 회화들은 마치 가스등 아래에서 그려진 것처럼 보였다.

• 회화 행위를 감추려 하지 않는 짧고 가시적이며 끊어진 붓터치.
• 자연광의 묘사와 시간에 따른 그 변화하는 성질에 대한 강조.
• 관람자의 눈 속에서 광학적 혼합이 일어나도록 화폭 위에 나란히 놓인 순수하고 섞이지 않은 안료.
• 신화나 역사 대신 카페, 대로, 정원, 여가 등 평범한 동시대의 주제.
• 일본 판화와 사진의 영향을 받은 비대칭적이고 잘린 구성.
• 야외에서 직접 외광으로 그리며, 종종 한 번의 작업으로 화폭을 완성하는 것.
• 검정의 사실상 폐기, 그리고 그림자를 보라색, 청색, 보색으로 표현하는 것.

회화 기법과 재료

빠른 속도로 야외에서 작업해야 한다는 점은 인상주의의 화폭들을 이전의 어떤 것과도 구별짓는 기술적 혁신을 강요했다. 화가들은 전통적인 어두운 임프리마투라 대신 하얀 또는 옅은 바탕을 깔아 색채를 밝게 유지했다. 종종 예비 드로잉 없이 튜브에서 곧장 두꺼운 물감 자국(임파스토)으로 발랐다. 아카데미 작업실의 가는 담비털 붓이 아니라 넓고 평평한 붓을 사용했다.

모네는 이 방법을 가장 멀리까지 밀어붙였다. 1890년대의 연작 — 「건초더미」, 「포플러」, 「루앙 대성당」, 「국회의사당」 — 에서 그는 여러 화폭을 동시에 작업하면서 빛이 바뀔 때마다 그 사이를 오갔고, 때로는 조건이 변하기 전 화폭 하나에 15분 이상을 들이지 않기도 했다. 그는 장소를 그리는 만큼이나 시간을 그리고 있었다.

반면 드가는 거의 야외에서 작업하지 않았다. 그의 발레 리허설, 경마장, 세탁부들은 스케치, 사진, 기억을 바탕으로 작업실에서 구성되었다. 그의 헌신은 외광 회화의 실천이 아니라, 스냅 사진을 떠올리게 하는 비스듬하고 중심에서 벗어난 시점에서 현대 파리 생활을 묘사하는 데 있었다. 드가의 사례는 인상주의가 단일한 강령이 아니라 느슨한 동맹이었음을 우리에게 상기시킨다.

1. 색채의 명도를 높게 유지하기 위해 옅은 색 또는 흰색으로 프라이밍한 화폭에서 시작하라.
2. 예비 밑그림을 생략하고, 넓은 붓으로 덩어리를 잡아라.
3. 팔레트에서는 가능한 한 적게 섞고 — 보색을 화폭 위에 곧바로 나란히 배치하라.
4. 모티프와 빛이 일정하게 유지되는 동안 화폭을 완성하는 것을 목표로 알라 프리마(젖은 물감 위 젖은 물감)로 작업하라.
5. 그림자에는 검정이 아니라 보라색, 청색, 보색을 사용하라.

인상주의 화가들

대략 십수 명의 화가가 운동의 핵심을 이루었고, 또 다른 십수 명이 그 주변에 있었다. 각자는 뚜렷한 기질을 지녔다. 모네는 빛에, 드가는 움직임에, 피사로는 농촌과 교외의 노동에, 르누아르는 인물에, 모리조는 친밀한 가정 장면에, 커샛은 어머니와 아이의 유대에, 카유보트는 현대 파리의 기하학에 사로잡혀 있었다. 이들을 통일시킨 것은 주제나 양식이 아니라 아카데미적 마감에 대한 공유된 거부, 그리고 상업적 실패 속에서도 서로를 지지하려는 의지였다.

Claude Monet

1840–1926

창설적 인물. 외광 회화 방법의 가장 일관된 실천자이며, 후기에는 형태를 순수한 색과 빛으로 용해시키는 흐름을 이끌었다.

Pierre-Auguste Renoir

1841–1919

빛 속의 인물상의 대가. 1869년 형성기의 라 그르누이예르 여름에 모네와 긴밀히 연관되었다.

Edgar Degas

1834–1917

무용수, 경마장, 세탁부의 화가. 외광 실천에는 저항했으나 현대 생활에 대한 그룹의 헌신을 공유했다.

Camille Pissarro

1830–1903

그룹의 최연장자이자 여덟 번의 인상주의 전시 모두에 출품한 유일한 화가. 세잔과 고갱의 멘토.

Berthe Morisot

1841–1895

여덟 번의 그룹 전시 중 일곱 번에 출품한 기초적 인물. 그녀의 가정 장면들은 19세기 말 프랑스의 여성 화가들에게 새로운 지평을 열었다.

Alfred Sisley

1839–1899

그룹에서 풍경화에 가장 일관되게 헌신한 화가. 파리의 교외와 루앵 계곡을 기록했다.

Gustave Caillebotte

1848–1894

현대 파리의 화가이자 그룹의 재정적 후원자. 그가 기증한 카유보트 컬렉션은 프랑스 국립 인상주의 컬렉션의 토대가 되었다.

Mary Cassatt

1844–1926

미국인 망명 화가로 1879년부터 그룹과 함께 전시했다. 일본 판화의 구성 개념을 어머니와 아이의 묘사에 끌어들였다.

Édouard Manet

1832–1883

사실주의에서 인상주의로의 가교. 그룹과 함께 전시하기를 거부했으나, 평평한 붓터치와 현대적 주제에 대한 그룹의 헌신을 공유했다.

인상주의의 상징적 작품들

소수의 회화들이 운동 전체를 대변하게 되었다 — 부분적으로는 그것이 운동의 형식적 혁신을 전형적으로 보여 주기 때문이고, 부분적으로는 미술관을 찾는 세대들이 그것을 인상주의의 정전(正典)으로 보도록 배워 왔기 때문이다. 각 작품은 그것이 무엇을 이루었는가 못지않게 무엇과 결별했는가를 보여 주며, 가까이 들여다볼수록 보답한다.

Impression, Sunrise

Claude Monet · 1872

마르모탕 모네 미술관, 파리

그 제목으로 운동에 이름을 부여한 화폭. 새벽에 그려진 르아브르 항구의 흐릿한 풍경으로, 일렁이는 물 위에 비친 주황빛 태양이 있다.

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir · 1876

오르세 미술관, 파리

몽마르트르 무도장에서의 햇빛 어룽거리는 일요일 오후. 야외 인물화로는 역대 가장 큰 규모로 시도된 작품 중 하나이다.

The Dance Class

Edgar Degas · 1874

오르세 미술관(파리)과 메트로폴리탄 미술관(뉴욕)

파리 오페라 무대 뒤. 비스듬한 시점, 중심에서 벗어난 군집, 잘린 인물들은 일본 판화와 사진에 대한 드가의 빚을 보여 준다.

Paris Street; Rainy Day

Gustave Caillebotte · 1877

시카고 아트 인스티튜트

비 내리는 더블린 광장의 사진에 가까운 풍경. 오스만 시대 재건된 파리의 기하학이 무표정한 정밀함으로 묘사된다.

Luncheon of the Boating Party

Pierre-Auguste Renoir · 1880–1881

필립스 컬렉션, 워싱턴

파리 외곽 메종 푸르네즈에서의 강변 오찬. 르누아르의 친구 14명이 여러 차례 모델로 포즈를 취해 완성된 화폭이다.

Boulevard Montmartre series

Camille Pissarro · 1897

다수 — 에르미타주, 푸시킨, 이스라엘 미술관 등

호텔 창문에서 14점의 화폭에 걸쳐 그 대로를 서로 다른 시간, 계절, 날씨로 기록했다. 도시 관찰에 관한 피사로 후기의 걸작이다.

Water Lilies (Nymphéas) cycle

Claude Monet · 1896–1926

오랑주리 미술관, 마르모탕 미술관, 뉴욕 현대미술관(MoMA) 등

모네의 지베르니 정원 연못을 그린 약 250점의 화폭. 그 가운데 가장 큰 작품들은 오랑주리의 몰입형 타원형 전시실에서 정점을 이루며, 인상주의에서 20세기 추상으로 가는 가교가 된다.

비평적 수용과 더딘 인정

초기 인상주의 전시에 대한 반응은 어리둥절한 것에서부터 노골적으로 적대적인 것까지 다양했다. 주류 언론은 그 회화들을 농담거리로, 광인들의 작업으로, 혹은 문화적 쇠퇴의 증거로 다뤘다. 매상은 부진했고, 특히 모네를 비롯한 여러 화가들은 1870년대 후반 내내 심각한 재정난을 겪었다. 그룹에 가능성을 걸고 결국 그들의 작품에 대한 국제 시장을 구축한 화상 폴 뒤랑-뤼엘조차 그 일로 인해 파산 직전까지 갔다.

전환은 1880년대에 천천히, 그리고 고르지 않게 시작되었다. 1886년 뒤랑-뤼엘의 뉴욕 전시는 미국 시장을 열었다. 1890년대에는 헨리 해브마이어, 베르타 오노레 파머, 루이진 해브마이어와 같은 부유한 미국 수집가들이 적극적으로 작품을 사들이고 있었다. 모네의 「루앙 대성당」 연작은 1895년 거의 즉시 매진되었다. 20세기 초 화가들이 세상을 떠날 무렵에는 30년 전 조롱받았던 인상주의 화폭들이 대서양 양안의 주요 미술관에 들어가고 있었고, 운동은 급진적 변방에서 대중적 총아로의 이행을 시작했다.

유산과 현대미술에 끼친 영향

인상주의가 가장 큰 결과를 가져온 효과는 후속 운동들이 통과해 갈 문을 열어 놓은 것이다. 후기 인상주의자들 — 세잔, 반 고흐, 고갱, 쇠라 — 은 끊어진 붓터치와 채도 높은 색을 출발점으로 삼되 그것을 근본적으로 다른 방향으로 밀어붙였다. 세잔의 구조적인 형태 분석은 곧장 입체주의로 이어졌다. 반 고흐의 색과 선의 표현적 왜곡은 야수주의와 표현주의로 향하는 길을 열었다. 쇠라의 점묘법은 광학적 색채 혼합이라는 인상주의의 통찰을 준과학적 방법으로 체계화했다.

이 직접적 후계자들을 넘어, 인상주의는 회화가 안정되고 완성된 3차원 현실을 묘사해야 한다는 가정을 해체했다. 모네가 1916년부터 1926년 사망할 때까지 그린 후기 「수련」은 거의 전적으로 표면, 색, 제스처로 용해되며, 1927년 — 모네 사망 다음 해 — 파리에서 전시되어 마크 로스코와 잭슨 폴록의 전면적 추상을 20년 앞서 예고했다. 이런 의미에서 인상주의는 19세기가 20세기로 회전하는 경첩이다.

• 후기 인상주의(세잔, 반 고흐, 고갱, 쇠라)
• 신인상주의 / 점묘주의
• 야수주의
• 표현주의
• 입체주의(세잔을 통해)
• 추상 표현주의(후기 모네를 통해)

오늘날 인상주의 작품을 볼 수 있는 곳

단연 가장 큰 집중은 파리 오르세 미술관에 있다. 좌안의 1900년 철도역을 개조한 이 미술관의 5층 인상주의 전시실은 세계 어디에서나 가장 큰 모네, 르누아르, 드가, 피사로, 마네의 컬렉션을 소장하고 있다. 튈르리 정원에서 가까운 오랑주리 미술관에는 모네가 몰입형 환경으로 설계한 후기 「수련」의 두 타원형 전시실이 있다.

프랑스 밖에서는 시카고 아트 인스티튜트, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 런던 내셔널 갤러리, 모스크바 푸시킨 미술관, 런던 코톨드 갤러리, 워싱턴 내셔널 갤러리 오브 아트가 모두 의미 있는 컬렉션을 소장하고 있다. 보스턴 미술관은 파리 외부에서 가장 강력한 모네 컬렉션의 하나를 보유한다. 이 작품들 다수는 미술관의 오픈 액세스 프로그램을 통해 고해상도로 제공되며 가정에서 세부까지 연구할 수 있다 — 다만 어떤 복제물도 표면, 실제 붓자국의 걸림, 나란히 놓인 보색의 광학적 진동을 전달하지는 못한다.

연표

1. 1841
   접이식 물감 튜브의 발명

   미국 화가 존 고프 랜드가 금속 물감 튜브의 특허를 받으면서, 야외 회화가 사상 처음으로 실용화된다.

2. 1863
   낙선전(Salon des Refusés)

   나폴레옹 3세는 그해 파리 살롱에서 낙선한 작품들 — 마네의 「풀밭 위의 점심식사」를 포함하여 — 을 파리를 충격에 빠뜨린 평행 전시로 선보이도록 명한다.

3. 1869
   라 그르누이예르의 여름

   모네와 르누아르가 파리 외곽의 수영 휴양지에서 나란히 그리며, 성숙한 인상주의를 정의하게 될 끊어진 붓터치를 발전시킨다.

4. 1872
   「인상, 해돋이」 그려짐

   모네가 운동에 이름을 부여하게 될 르아브르 항구의 흐릿한 풍경을 완성한다.

5. 1874
   제1회 인상주의 전시

   30명의 화가가 카퓌신 대로 나다르의 옛 작업실에서 165점의 작품을 전시한다. 비평가 루이 르루아가 모욕적 의미로 ‘인상주의자들’이라는 명칭을 만들어낸다.

6. 1886
   여덟 번째이자 마지막 그룹 전시

   마지막 인상주의 그룹전. 쇠라가 「그랑드자트섬의 일요일 오후」를 전시하며 신인상주의로의 이행을 알린다.

7. 1895
   모네의 「루앙 대성당」 연작

   뒤랑-뤼엘이 모네의 대성당 화폭 20점을 전시한다. 거의 즉시 매진된다 — 시장이 완전히 돌아섰음을 알리는 신호이다.

8. 1926
   모네의 죽음

   모네는 12월 5일 지베르니에서 사망한다. 그의 마지막 10년은 1년 뒤 오랑주리에 설치될 「수련」 연작에 바쳐졌다.

받은 영향

• 바르비종파 외광 풍경화
• 외젠 들라크루아의 색채 이론
• 일본 우키요에 판화(호쿠사이, 히로시게, 우타마로)
• 에두아르 마네의 붓터치와 동시대적 주제
• 사진의 화면 구성과 크롭 관습

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자주 묻는 질문

출처

• Impressionism | Smarthistory(Editorial reference)
• Impressionism | Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art(Editorial reference)
• Impressionism — Wikipedia(CC BY-SA 3.0)
• Musée d'Orsay — Collection: Impressionism(Editorial reference)