레오나르도 다 빈치: 생애, 회화, 그리고 보편적 정신

레오나르도 다 빈치(1452–1519)는 이탈리아 르네상스의 화가이자 과학자, 공학자였으며, 「모나리자」와 「최후의 만찬」을 비롯한 한 줌의 완성된 회화로 서양 미술이 가진 천재의 관념을 규정했다.

레오나르도 다 빈치는 누구였는가?

레오나르도 다 빈치(1452–1519)는 전성기 르네상스의 이탈리아 박학자로, 그의 관심사는 회화와 조각으로부터 해부학, 공학, 수력학, 광학, 식물학, 지질학, 그리고 그 후로도 4세기 동안은 만들어지지 않을 기계의 설계에까지 이르렀다. 그의 것으로 확실히 귀속될 수 있는 회화는 20점이 채 되지 않으며, 그중 여러 점은 미완성이다. 그럼에도 그는 일반적으로 이탈리아 미술이 가장 높은 기술적·지적 발전을 이루었던 시기의 중심 인물로 평가된다.

그의 의의는 그가 완성한 것 못지않게 그가 끝맺기를 거부한 것에 있다. 그는 회화를 보는 일의 과학으로 다루었고, 자신의 관찰 속도에 맞추어 작업을 늦추었으며, 약 7,200쪽의 노트를 남겼다. 그 노트들 안에서 같은 한 정신은 시신을 해부하고, 강의 소용돌이를 추적하고, 비행 기계를 설계하고, 인체의 비례를 스케치하고, 동시대 어느 누구보다도 빛과 그림자의 규칙을 철저히 기술했다. 그가 완성에 이르게 한 몇 점의 회화 — 밀라노의 「최후의 만찬」, 지금 루브르에 있는 「모나리자」, 「암굴의 성모」, 「흰 담비를 안은 여인」 — 는 이후 300년 동안 유럽 미술이 그 주위를 회전하게 될 회화적 지성의 기준을 세웠다.

빈치, 피렌체, 그리고 베로키오의 공방 (1452–1482)

레오나르도는 1452년 4월 15일, 작은 토스카나 마을 빈치 바로 외곽의 안키아노라는 촌락에서 태어났다. 그는 성공한 피렌체 공증인 세르 피에로 다 빈치와, 이름 외에는 거의 아무것도 알려지지 않은 카테리나라는 농민 여성 사이에서 태어난 사생아였다. 출생의 정황은 그가 평생 짊어지게 될 결과를 낳았다. 사생아였던 그는 아버지가 종사하던 공증인 직업에서, 그리고 적출 가문에서 회원을 받아들이던 주요 길드와 대학들로부터 배제되어 있었다. 그는 빈치에 있는 가문의 영지에서 친조부모와 삼촌 프란체스코의 손에 키워졌고, 삼촌은 그에게 농부의 주의 깊음으로 풍경을 읽는 법을 가르쳤다.

1466년경, 레오나르도가 열네 살이 되었을 때 아버지는 가족을 피렌체로 옮기고 그를 그 도시의 으뜸가는 조각가이자 화가였던 안드레아 델 베로키오에게 가르초네(garzone) — 공방 도제 — 로 들였다. 베로키오의 보테가는 청동 기념물, 대리석 묘비, 판넬 회화, 금세공, 축제 장식, 메디치 궁정의 무대 장식을 만들어 내는 복합적 기관으로서, 도제와 동료 중에는 피에트로 페루지노, 도메니코 기를란다요, 로렌초 디 크레디가 있었다. 그곳에서 레오나르도는 실물 데생, 안료의 화학, 청동과 대리석의 작업, 거대한 공공 조각의 공학, 그리고 새로운 피렌체 회화가 요구하던 구성의 수사학을 익혔다.

완성된 회화에 그가 처음으로 참여한 것으로 기록된 것은 베로키오의 「그리스도의 세례」 왼편 천사이다. 이 그림은 대체로 1472년에서 1475년 사이 공방에서 그려졌고 지금은 우피치에 있다. 70년 뒤 글을 쓴 조르조 바사리는, 베로키오가 그 천사를 그리는 데서 젊은 레오나르도가 자신을 얼마나 완벽하게 능가했는지를 보고 영영 판넬 회화를 그만두었다는 유명한 일화를 전한다. 이야기는 거의 틀림없이 문학적 윤색이지만, 그림 자체가 그것을 뒷받침한다. 천사의 옆모습, 머리카락의 부드러움, 뺨의 모델링은 분명히 다른, 그리고 더 진보된 손의 작업이다.

레오나르도는 1472년 — 스무 살 때, 그러나 여전히 베로키오의 작업실에서 살며 일하면서 — 피렌체 화가 길드인 산 루카 조합에 등록되었다. 그의 가장 이른 독자 작품들은 곧이어 나타난다. 지금 우피치에 있는 작은 「수태고지」(c. 1472), 「지네브라 데 벤치의 초상」(c. 1474–78, 지금은 워싱턴 내셔널 갤러리), 그리고 산 도나토 아 스코페토 수도사들의 의뢰로 그려졌다가 레오나르도가 밀라노로 떠나면서 버려진 미완성의 「동방 박사의 경배」(1481)이다. 이 초기 작품들에서도 이후 그의 전 경력을 특징짓게 될 습관이 이미 보인다. 형태를 단단한 윤곽으로 묘사하기를 거부하는 것, 선보다 느린 톤의 모델링을 선호하는 것, 그리고 더 나은 문제가 나타나는 순간 의뢰를 미완으로 남겨 두는 데 거리낌이 없다는 것.

밀라노와 스포르차 궁정 (1482–1499)

1482년, 레오나르도가 서른이 되었을 때 로렌초 데 메디치는 그를 일종의 문화 사절로서 밀라노의 섭정(1494년부터는 공작) 루도비코 스포르차에게로 북상시켰다. 피렌체를 떠나기 전 레오나르도는 지금은 유명해진 루도비코에게 보내는 자기 추천서를 작성했다. 그 편지는 열 가지 번호가 매겨진 항목으로 자신의 자격을 열거했고 — 대부분은 군사와 공학이었다 — 이동식 다리, 공성 무기, 해자 배수 방법, 적의 갤리를 부수는 장치, 대포 설계, 조각, 건축이 그것이었다. 거의 지나가는 말처럼 열 번째 항목에 이르러서야, 그는 또한 이탈리아의 누구 못지않게 그림을 그릴 수 있다고 덧붙였다. 그 순서는 전략적이었다. 스포르차의 밀라노는 전쟁 중이었고, 궁정은 판넬 화가보다 공학자를 더 필요로 했다.

그는 17년을 그곳에 머물렀고 스포르차의 문화 사업의 중심 인물이 되었다. 궁정은 그의 가장 중요한 작품 세 점을 의뢰했다. 첫 번째는 「암굴의 성모」였는데, 두 가지 버전으로 그려졌다. 더 이른 버전(c. 1483–86)은 지금 루브르에 있고, 공방의 도움을 받은 후기 복제본(c. 1495–1508)은 런던 내셔널 갤러리에 있다. 두 작품 모두 빛의 처리에서 급진적이다. 성모와 두 아이는 그 어두움이 검은 밑칠이 아니라 차가운 청색과 녹색의 포화된 대기로 묘사된 동굴 안에 앉아 있고, 인물들은 안개 너머로 사물이 드러나는 점진적 가시성으로 그곳에서 떠오른다.

두 번째는 1495년에서 1498년 사이, 도미니코회의 산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당의 북쪽 벽에 그려진 「최후의 만찬」이었다. 레오나르도는 색을 층층이 쌓고, 톤에 유약을 입히고, 다시 작업할 수 있을 만큼 충분히 느리게 그리고 싶어 했다. 진정한 프레스코에서는 그 어느 것도 가능하지 않다. 프레스코에서는 안료가 한나절 만에 마르는 젖은 회반죽 안에 발리기 때문이다. 그는 회반죽이 마른 위에 템페라와 유화를 섞은 실험적 혼합 매체를 발명했고, 표면을 게소와 봉인제로 준비했다. 이 기법은 그가 같은 벽 위에서 3년 동안 작업할 수 있게 해 주었으며, 그리스도가 사도들 가운데 한 사람이 자신을 배신하리라고 선언한 직후 그들의 얼굴이 보여 주는 장엄한 심리적 강도를 부여했다. 그러나 그것은 또한 레오나르도의 생전부터 박락되기 시작했다. 그 벽은 일곱 차례 복원되었고, 지금은 원래 표면의 단편에 지나지 않지만, 그 구성은 여전히 서양 미술에서 가장 많이 분석된 종교화이다.

결코 완성되지 못한 밀라노의 세 번째 주요 의뢰는 루도비코의 아버지이자 왕조의 창건자인 프란체스코 스포르차의 청동 기마 기념물이었다. 레오나르도는 그 작업에 12년을 보냈다 — 이제껏 시도된 가장 큰 청동 기마상이 되었을 작품의 주조를 설계하고, 1493년 루도비코의 조카 결혼식을 위해 실물 크기의 점토 말 모형을 만들어 전시했으며, 지금은 윈저에 있는 드로잉들을 제작했다. 청동은 결코 부어지지 못했다. 1494년 알프스 국경에 프랑스군이 집결하자 루도비코가 준비해 두었던 70톤의 청동은 대포로 녹여졌다. 1499년 루이 12세 휘하의 프랑스군이 밀라노를 점령했을 때, 점토 모형은 가스코뉴 궁사들의 표적으로 쓰이며 파괴되었다. 레오나르도는 남쪽으로 피신했다.

이 세 가지 주요 사업 외에도 밀라노 시기는 그의 지속적인 과학적 노트 실천이 시작된 때이다. 그는 거울 글씨로 — 왼손으로 오른쪽에서 왼쪽으로 — 쓰기 시작했는데, 아마도 젖은 잉크가 번지는 것을 피하기 위해, 또 어쩌면 의심을 살 만큼 보기 드문 작업의 비밀을 지키기 위해서였을 것이다. 그는 회화에 관한 논고, 물의 운동에 관한 논고, 말의 해부학에 관한 논고, 비행에 관한 논고를 시작했지만, 그 어느 것도 끝맺지 못했다. 「최후의 만찬」은 3년이 걸렸고, 미완의 사업들은 그 주위로 점점 늘어났다.

두 번째 피렌체 시기 (1500–1508)

밀라노의 함락 이후 레오나르도는 잠시 만토바와 베네치아를 거쳤다가 1500년 4월 피렌체로 돌아왔다 — 그가 그곳을 떠난 지 18년 만이었다. 그는 이제 마흔여덟이었고, 유명했으며, 고정된 후원자가 없었다. 짧은 사보나롤라 신정 체제 이후 복원된 피렌체 공화국은 그에게 베키오 궁의 평의회실인 오백인 홀에 거대한 벽화 — 1440년 피렌체의 승리인 「앙기아리 전투」 — 를 그리도록 의뢰했다. 그 맞은편 벽은 「카시나 전투」를 그리도록 젊은 미켈란젤로에게 주어졌다. 두 벽화 모두 완성되지 못했다. 미켈란젤로는 로마로 부르는 율리우스 2세의 소환에 응하며 자신의 작업을 포기했다. 벽 위에 유화 글레이즈를 허용할 의도로 다시금 실험적 매체로 작업하던 레오나르도는 물감이 제대로 마르려 하지 않는다는 사실을 발견했고, 숯불 화로로 벽을 데우려 했지만 윗부분이 녹아내렸으며, 살아남은 중앙의 인물군도 수십 년 안에 손상되었다. 그의 「앙기아리 전투」가 남긴 것은 준비 드로잉과 페테르 파울 루벤스가 그린 사본의 사본을 통해서만 알려져 있다.

1502년부터 1503년 사이 레오나르도는 10개월간 체사레 보르자의 군사 공학자로 일했다. 보르자는 추기경이었다가 콘도티에로(용병대장)로 변신한 인물로, 아버지 알렉산데르 6세 교황의 지원을 받아 중부 이탈리아 전역에 걸쳐 자신의 국가를 새겨내고 있었다. 레오나르도는 보르자와 함께 이몰라, 우르비노, 체세나, 로마냐를 돌았고, 도시를 거의 수직 위에서 본 최초의 지도학적 표현 중 하나인 유명한 이몰라 항공도를 제작했으며, 요새, 항구, 강 도하 지점을 측량했다. 이 일은 1503년 8월 알렉산데르 6세가 사망하고 체사레의 체제가 무너지면서 갑작스럽게 끝났다. 레오나르도는 피렌체로 돌아왔다.

그가 「모나리자」를 시작한 것은 이 두 번째 피렌체 시기이다. 아마 1503년이었을 것이며, 바사리에 따르면 피렌체의 비단 상인 프란체스코 델 조콘도가 자신의 아내 리자 게라르디니를 위해 의뢰했다. 그는 16년에 걸쳐 간헐적으로 그것을 작업했다. 그는 결코 그것을 인도하지 않았다. 1508년 프랑스가 그를 다시 부르자 그림은 그와 함께 북쪽 밀라노로 갔고, 1516년에는 프랑스로 갔다. 그가 죽을 때 그것은 그의 소유로 있었다.

1503–1508년의 세월은 또한 그의 해부학 연구의 강렬한 갱신을 가져왔다. 레오나르도는 적어도 1480년대부터 시신을 해부해 왔지만, 이 시기 그는 피렌체의 산타 마리아 누오바 병원, 이후에는 파비아의 의학교에 접근할 수 있게 되었고, 그곳에서 해부학자 마르칸토니오 델라 토레와 협업했다. 그 자신의 설명에 따르면 그는 양성과 모든 연령대의 30구가 넘는 시신을 해부하여, 지금은 윈저의 왕실 컬렉션과 토리노의 작은 소장본 사이에 나뉘어 있는 드로잉들을 제작했다. 그것들은 일찍이 만들어진 가장 뛰어난 해부 드로잉에 속한다 — 뼈, 근육, 혈관, 장기 사이의 층상 관계를 묘사하는 점에서, 그 이후 250년 동안의 어떤 의학 문헌보다도 뛰어나다.

주요 작품

보편적으로 인정되는 레오나르도의 회화 목록은 서양의 어느 주요 화가의 것보다도 짧은 축에 든다. 아래 목록은 현대 학계에 의해 그 귀속이 본질적으로 다투어지지 않는 작품들을 대략 연대순으로 정리한 것이다. 「살바토르 문디」를 가장 격렬한 예로 하여 여러 작품은 여전히 논쟁의 대상이다. 그의 가장 중요한 구상 중 많은 수는 공방의 버전이나 추종자들의 사본, 또는 그 자신의 준비 드로잉으로만 남아 있다.

수태고지

c. 1472

우피치 미술관, 피렌체

레오나르도가 베로키오의 보테가에서 일하던 시기에 만든, 그의 가장 이른 독자 회화 중 하나. 해부학적으로 관찰된 천사의 날개와 배경에 멀어지는 항구는 이미 관찰의 과학으로서의 회화에 대한 그의 헌신을 알린다.

지네브라 데 벤치

c. 1474–1478

내셔널 갤러리, 워싱턴 D.C.

미주에 있는 레오나르도의 유일한 회화 — 향나무(ginepro)가 모델의 이름을 두고 한 말장난의 상징 역할을 하는 사적 의뢰 초상화이다. 단단한 윤곽으로 형태를 묘사하기를 거부하는 그의 태도가 이미 나타난다.

동방 박사의 경배

1481 (unfinished)

우피치 미술관, 피렌체

산 도나토 아 스코페토 수도사들이 의뢰했고, 1482년 레오나르도가 피렌체에서 밀라노로 떠나면서 버려졌다. 밑칠이 남아 있으며, 중심 피라미드를 중심으로 회전하는 군중이라는 급진적 구성적 사고를 보여 준다. 그 사고는 이후 200년 동안 유럽의 제단화 회화를 형성하게 된다.

암굴의 성모

1483–1486 (Louvre); c. 1495–1508 (National Gallery, London)

루브르 박물관(파리); 내셔널 갤러리(런던)

밀라노 산 프란체스코 그란데 교회의 무염시태 형제회를 위해 그려진 같은 구성의 살아남은 두 버전. 레오나르도의 스푸마토와 공기 원근법이 함께 작동하여 인물과 대기 사이의 경계를 용해시키는 최초의 주요 작품이다.

흰 담비를 안은 여인

c. 1489–1491

차르토리스키 박물관, 크라쿠프

루도비코 스포르차의 정부였던 체칠리아 갈레라니의 초상. 흰 담비는 루도비코의 ‘담비 기사단’과 체칠리아의 성에 대한 문장학적 말장난이다(담비의 그리스어는 갈레galée). 머리를 날카롭게 돌린 사분의 삼 자세는 곧 라파엘로가 흡수하게 될 초상화의 혁신이었다.

최후의 만찬

1495–1498

밀라노, 산타 마리아 델레 그라치에 식당

서양 미술에서 가장 많이 분석된 종교화. 구성은 그리스도가 ‘너희 중 하나가 나를 배신하리라’고 말한 직후의 순간을 포착한다. 사도들은 네 명씩 세 무리로 배치되어 각기 다르게 반응한다. 실험적 매체는 레오나르도의 생전부터 박락되기 시작했다. 벽은 일곱 차례 복원되었고 지금은 원래 표면의 단편이다.

비트루비우스적 인간

c. 1490

아카데미아 미술관, 베네치아

회화가 아닌 드로잉. 로마 건축가 비트루비우스가 기술한 비례를 보여 준다. 정사각형과 원 모두에 새겨진 이 인물은 「모나리자」를 제외하면 서양 미술사에서 가장 많이 복제된 단일 이미지가 되었다.

모나리자

c. 1503–1519

루브르 박물관, 파리

피렌체의 비단 상인 프란체스코 델 조콘도의 아내 리자 게라르디니의 초상. 레오나르도는 16년 동안 미완의 판넬을 가지고 세 나라를 옮겨 다녔으며, 결코 그것을 인도하지 않았다. 오늘날 세계에서 가장 많이 관람되는 회화이다.

살바토르 문디

c. 1500 (attribution debated)

개인 소장(2017년 이후 소재 미공개)

수정 구를 든 그리스도의 봉헌 이미지. 2017년 11월 크리스티에서 당시 회화에 지불된 사상 최고 경매가인 4억 5천만 달러에 팔렸다. 레오나르도 자신의 손이 아니라 그의 공방에 귀속되는지에 대한 논쟁은 현재 르네상스 학계에서 가장 격렬한 것으로 남아 있다.

세례자 성 요한

c. 1513–1516

루브르 박물관, 파리

레오나르도의 마지막 완성작. 세례자의 형상은 극단의 스푸마토 속에서 완전한 어둠으로부터 떠오르며, 오른손이 위를 가리키는 — 한 세대 앞서 「최후의 만찬」에서 그가 사용했던 — 제스처를 취한다. 레오나르도가 프랑스로 가져갔으며 살라이에게 유증되었다.

과학자, 해부학자, 공학자

레오나르도는 약 7,200쪽의 노트를 남겼는데 — 한때는 훨씬 더 큰 컬렉션의 일부였다. 그의 사후 종이들은 그의 제자 프란체스코 멜치에게로 넘어갔고, 그는 50년 동안 그것을 온전히 보관했다. 멜치의 사망 후 상속인들은 묶여 있던 노트들이 해체되어 조각조각 팔리고 유럽 전역으로 흩어지는 것을 허락했다. 그것들은 지금 도서관과 개인 수집가들이 보유한 이름이 붙은 코덱스들로 나뉘어 있다. 노트들에는 놀랍도록 광범위한 주제에 관한 거울 글씨의 관찰과 스케치가 담겨 있고, 그중 그의 생전에 출판된 것은 극히 일부였다. 19세기에 그것들이 재발견되면서 르네상스 과학이 이해되어 온 방식을 다시 쓰지 않을 수 없게 되었다.

1. 코덱스 아틀란티쿠스(밀라노, 암브로시아나 도서관) — 1,119장. 가장 큰 단일 컬렉션으로, 역학, 수력학, 비행, 수학, 전쟁을 다룬다. 1580년대 조각가 폼페오 레오니가 모아 엮은 것이다.
2. 코덱스 레스터(개인 소유, 1994년부터 빌 게이츠 소장) — 72쪽. 지질학과 수문학의 관찰을 담고 있으며, 산꼭대기에 해양 화석이 나타나는 까닭에 대한 놀라운 원형 과학적 설명이 포함되어 있다.
3. 코덱스 아룬델(런던, 영국 도서관) — 283장. 레오나르도의 사후 모아 엮은 기계학, 기하학, 건축에 관한 혼합된 노트들이다.
4. 코덱스 트리불치아누스(밀라노, 트리불치오 도서관) — 51장. 기괴한 두상 연구와 라틴어 어휘 연습이 포함되어 있다.
5. 새의 비행에 관한 코덱스(토리노, 왕립 도서관) — 18장. 인간 오니솝터(날갯짓 비행기)를 설계하기 위한 모델로서 새의 비행 역학을 연구했다.
6. 해부 드로잉(윈저, 왕실 컬렉션 트러스트) — 약 600장. 그 안에 자궁 속 태아, 등 근육, 심장 판막, 발의 뼈에 관한 유명한 연구가 포함된다.
7. 마드리드 코덱스 I과 II(에스파냐 국립 도서관) — 192 + 158장. 기계 공학과 지도 제작을 다루며, 도서관 컬렉션에서 1965년에서야 재발견되었다.

주제의 범위는 그 시대에 비길 데가 없다. 레오나르도는 무엇보다도 — 현대 심장학에 의해 재발견되기 500년 전에 — 심장 판막의 작용을 기술했다. 그는 낙하산, 잠수복, 자기 지지 구조의 다리, 장갑 차량, 그리고 헬리콥터 회전의 역학에 가까운 비행 기계를 스케치했고, 하중을 받는 들보의 저항을 계산했으며, 강바닥의 층상 지질을 그렸고, 이탈리아 산악 지대의 해양 동물 화석이 그 산들이 한때 바다 밑에 있었음을 증명한다고 이론화했다 — 가톨릭 지성계가 받아들이는 데 다시 200년이 걸린 결론이었다.

이 작업의 어느 것도 레오나르도의 생전에는 거의 출판되지 않았다. 그의 「회화론」(Trattato della pittura)은 그의 산문 가운데 유포된 유일한 지속적 본문이었으며 — 그것조차도 그의 사후 100년이 넘은 1651년에야, 카시아노 달 포초가 멜치가 레오나르도의 미술 관련 저작들에서 만든 편찬본을 편집·축약하여 출판한 것이었다. 과학 노트들은 19세기 말과 20세기 초까지 본질적으로 사적이었고, 그때 가서야 장 폴 리히터(1883)와 에드몬도 솔미(1907)의 체계적 전사를 통해 접근 가능해졌다. 그 무렵에는 그 발견의 대부분이 이미 다른 이들에 의해 독립적으로 이루어진 뒤였고, 노트가 드러낸 것은 돌파의 기록이라기보다, 특정한 종류의 정신 — 드로잉을 사유의 도구로 다루는 정신 — 의 초상이었다.

스푸마토와 레오나르도의 방법

레오나르도의 성숙한 회화는 서로 맞물린 세 가지 발명으로 규정된다. 첫째는 스푸마토이다 — 이 말은 이탈리아어 sfumare, ‘연기처럼 흩어지다’에서 왔다 — 빛과 그림자 사이의 이행을 거의 감지할 수 없는 지점까지 부드럽게 만드는 것이다. 그의 후기 회화에는 단단한 윤곽이 없다. 「모나리자」의 눈에는 가장자리가 없으며, 입가의 모서리를 묘사하는 그림자는 머리카락보다 가는 붓으로 발려, 보이는 흔적을 남기지 않을 만큼 가는 30층, 40층의 반투명 글레이즈로 쌓아 올린 것이다. 이 기법은 그가 자라온 선적 피렌체 드로잉 전통의 정반대편에 있으며, 이후 유화에서 살을 묘사하려는 모든 시도의 토대이다.

둘째 발명은 공기 원근법 — 또는 대기 원근법 — 이다. 먼 곳에 있는 사물은 가까운 것보다 더 옅고, 더 푸르며, 윤곽이 더 부드럽게 그려지는데, 이는 눈이 실제로 사이에 놓인 공기의 안개 너머로 그것을 지각하는 방식 그대로이다. 레오나르도는 이 효과를 사용한 최초의 유럽 화가는 아니었지만, 그것을 명시적으로 이론화하고 장식이 아니라 구조의 요소로 사용한 최초의 화가였다. 「모나리자」와 「암굴의 성모」의 뒤로 물러나는 산들은 전경의 인물들과는 별개의 광학적 사건으로 작동한다. 회화는 단일하게 균일하게 비추어진 평면이 아니라 층을 이룬 대기적 무대가 된다.

셋째는 키아로스쿠로이다. 형태를 윤곽이 아니라 빛과 그림자의 극적인 모델링으로 묘사하는 기법이다. 그리스도의 선언 직후 식탁을 가로질러 몸을 기울이는 「최후의 만찬」의 젊은 사도들은, 그 삼차원적 무게가 전적으로 톤의 모델링으로 전달되는 빛과 그림자의 덩어리로 묘사된다. 한 세기 뒤의 카라바조와, 다시 한 세기 뒤의 렘브란트는 레오나르도가 이곳에 놓은 토대 위에 자신들의 작업을 세우게 된다.

이 기술적 발명들에는 대가가 따랐다. 레오나르도의 방법은 느렸다 — 「최후의 만찬」에서 동시대인들은 그가 단 한 번의 붓터치에 한나절을 쓰고는 일주일 동안 전혀 그리지 않고 떠나 있었다고 보고했다. 그는 놀랄 만한 수의 주요 의뢰를 미완으로 남겼다 — 「동방 박사의 경배」, 「성 히에로니무스」, 「앙기아리 전투」, 스포르차 기마 기념물. 그는 끝낼 수 있는 것보다 더 많이 떠안았고, 끝없이 수정했다. 「모나리자」는 16년 동안 그와 함께 다녔는데, 그 자신이 보기에 그것은 결코 완성되지 않은 것이었기 때문이다.

프랑스에서의 마지막 시절 (1516–1519)

1513년 레오나르도는 피렌체에서 로마로 옮겨 갔다. 그곳의 후원자는 교황 레오 10세의 동생 줄리아노 데 메디치였다. 로마에서의 시간은 비교적 실망스러웠다. 그는 거의 작업하지 않았고, 바티칸에서는 (시스티나 천장을 마무리하던) 훨씬 더 젊은 미켈란젤로와 (교황의 거실을 장식하던) 라파엘로의 그늘에 가려졌다. 1516년 줄리아노 데 메디치가 사망하자 레오나르도는 몇 년간 그에게 권고되어 온 초청을 받아들였다. 프랑스 왕 프랑수아 1세가 그에게 후한 연금, 집, 그리고 ‘왕의 수석 화가, 건축가, 기술자(premier peintre, architecte et mécanicien du Roi)’의 칭호를 제공한 것이다.

레오나르도는 1516년 가을 그의 제자이자 상속인인 프란체스코 멜치, 그리고 하인 바티스타 데 빌라니스와 함께 알프스를 넘어 북상했다. 그는 결코 떼어 놓으려 하지 않았던 세 점의 그림을 가지고 갔다. 「모나리자」, 「성 안나와 함께 있는 성모자」, 그리고 「세례자 성 요한」이었다. 그는 작은 영주관 클루(Cloux) — 오늘날의 클로 뤼세 성 — 에 정착했고, 그곳은 루아르 강가 앙부아즈의 왕실 거처에서 걸어갈 만한 거리에 있었다. 그는 예순넷이었다.

그는 프랑스에서 거의 그리지 않았다. 1517년 말경에 입었을 것으로 보이는 뇌졸중 이후 오른쪽 마비로 인해 붓을 잡기가 어려웠지만, 왼손잡이였던 그는 여전히 그리고 쓸 수 있었다. 그는 도팽의 세례식과 왕의 조카 결혼식의 축제를 설계했다. 그는 루아르 강과 손 강 골짜기를 잇는 거대한 운하 계획을 세웠다. 그는 로모랑탱에 있는 왕실 거주지가 될 수도 있었던 건물을 위한 연구도를 그렸다. 그는 오랜 오후를 프랑수아 1세와의 대화로 보냈는데, 왕은 클루의 집을 왕실 성에서 지하 통로로 통해 방문했다고 전해진다.

레오나르도는 1519년 5월 2일 클루에서 사망했으며, 향년 예순일곱이었다. 몇 주 앞서 작성된 유언에 따라 그는 작업실의 내용물 — 필사본, 드로잉, 도구 — 을 프란체스코 멜치에게 남겼고, 밀라노 외곽에 그가 소유하던 포도밭은 하인 살라이에게, 옷가지와 돈은 이복형제들과 가정부에게, 그리고 세 점의 그림은 살라이에게 남겼다. 30년 뒤 글을 쓴 바사리는 레오나르도가 프랑수아 1세의 품에서 죽었다고 했다. 왕은 아마 그날 앙부아즈에 있지 않았겠지만, 이야기는 적절한 모양을 갖고 있고, 화가와 왕은 가까웠다. 그는 앙부아즈의 생플로랑탱 교회에 묻혔다. 무덤은 프랑스 혁명 중에 훼손되었고 유물은 흩어졌다. 지금 앙부아즈 성 안의 생튀베르 예배당에서 그의 무덤으로 알려진 곳은 19세기에 재구성된 것이다.

유산과 영향

레오나르도의 사후 명성은 우선 조르조 바사리에 의해 만들어졌다. 그의 「가장 뛰어난 화가, 조각가, 건축가들의 생애」는 1550년에 출판되었고 1568년 확장판이 나왔다. 바사리는 그를 자신의 세 번째이자 마지막 시기 — 마니에라 모데르나, 즉 현대적 양식 — 의 시작에 놓았고, 그 전기를 통해 화가를 장인보다는 학식 있는 개인 천재로서의 모델로 확립했다. 지금 대중적인 레오나르도를 정의하는 일화의 대부분은 바사리에게서 왔다. 베로키오가 절망에 빠져 붓을 꺾었다는 이야기, 「모나리자」가 그녀를 즐겁게 하려고 레오나르도가 고용한 악사와 광대들 앞에서 미소 지었다는 이야기, 프랑수아 1세의 품에서 죽었다는 이야기 등이다.

다음 세대 화가들 가운데 직접적 영향이 가장 컸던 이들은 이른바 레오나르데스키 — 조반니 안토니오 볼트라피오, 베르나르디노 루이니, 마르코 도조노, 그리고 살라이 자신을 포함한 밀라노 추종자들의 느슨한 그룹 — 였다. 그들의 작업은 레오나르도의 구성, 스푸마토, 그리고 특징적인 얼굴 유형을 북부 이탈리아 전역, 그리고 그 너머로 퍼뜨렸다. 피렌체에서 「모나리자」를 보고 그 드로잉을 만든 라파엘로는 레오나르도의 피라미드형 구성과 사분의 삼 초상 자세를 전성기 르네상스 초상화의 정전 안으로 흡수했다. 안드레아 델 사르토와 코레조 모두 레오나르도의 스푸마토 위에 직접 쌓아 올렸다. 코레조는 그것을 파르마 돔의 부드러운 광휘로 확장했다.

직접적 추종자들을 넘어, 16세기 말 카라바조가 정식화하고 17세기에 렘브란트가 심화한 키아로스쿠로 전통은 극적 톤 모델링이라는 레오나르도의 발명에서 내려온다. 19세기에 그의 노트가 — 특히 1883년 장 폴 리히터가 시작한 체계적 전사를 통해 — 재발견되면서, 보편적 천재로서의 레오나르도라는 현대적 이미지와 르네상스 그 자체의 대중적 표상이 만들어졌다. 19세기 말 이후 그는 유럽 미술의 모든 대중적 역사가 그를 통해 이야기되는 인물이 되었다.

20세기와 21세기의 대중문화는 이를 더욱 심화시킬 뿐이었다. 「모나리자」는 1911년의 도난 사건 이후(「모나리자」 가이드 참조) 세계에서 가장 많이 관람되는 회화가 되었다. 「비트루비우스적 인간」은 예술과 과학의 융합을 표방하고자 하는 거의 모든 기관의 아이콘이 되었다. 댄 브라운의 「다 빈치 코드」(2003)는 8천만 부 이상이 팔렸다. 월터 아이작슨의 전기 「레오나르도 다 빈치」(2017)는 출판 현상이었다. 2017년 크리스티에서 4억 5천만 달러에 팔린 「살바토르 문디」의 귀속은 그에 대한 다투어지는 귀속의 힘 위에서, 경매에서 회화에 지불된 사상 최고가가 되었다. 그는 아마도 다른 어느 역사적 인물보다도 인간의 호기심 그 자체의 대중적 상징이 되었다.

그 자신의 말로

레오나르도의 노트들은 아포리즘, 관찰, 그리고 도제를 향한 경험칙적 조언으로 가득하다. 아래 구절들은 가장 자주 인용되는 것들로, 각각은 살아남은 코덱스들과 「회화론」에서 끌어낸 것이다. 그것들은 회화 뒤에 있던 기질 — 인내심 있고, 엄격하며, 작업의 어려움에 대해 가차 없는 — 의 감각을 전한다.

영향

• 안드레아 델 베로키오(스승이자 레오나르도가 수련한 공방의 화가)
• 안토니오 폴라이우올로(해부 드로잉과 운동하는 인체의 동적 연구)
• 마사초(피렌체 콰트로첸토 회화의 키아로스쿠로 전통)
• 안토넬로 다 메시나를 통해 남쪽으로 전해진 초기 네덜란드 유화 기법(반 에이크 계열의 층상 글레이즈)
• 비트루비우스와 인체 비례에 관한 고전 전통
• 피렌체 인문주의를 통한 아리스토텔레스와 자연철학

후대 미술에 미친 영향

• 레오나르데스키(볼트라피오, 베르나르디노 루이니, 마르코 도조노, 살라이)
• 라파엘로(구성, 스푸마토, 초상화)
• 안드레아 델 사르토와 피렌체 전성기 르네상스 회화
• 코레조와 파르마 화파의 광휘
• 카라바조와 17세기 키아로스쿠로 전통
• 렘브란트와 네덜란드 바로크
• 박학자의 현대적 이미지 — 예술가-과학자의 토대적 상징

작품을 볼 수 있는 곳

• 루브르 박물관

  다섯 점의 회화 — 「모나리자」, 「암굴의 성모」(루브르 버전), 「성 안나와 함께 있는 성모자」, 「세례자 성 요한」, 「라 벨 페로니에르」 — 그리고 중요한 드로잉들. 세계에서 가장 큰 단일 레오나르도 회화 컬렉션.

• 내셔널 갤러리

  런던 버전의 「암굴의 성모」(c. 1495–1508)와 「성 안나와 함께 있는 성모자와 세례자 성 요한」의 실물 크기 목탄 연구인 「벌링턴 하우스 카툰」.

• 왕실 컬렉션 트러스트

  약 600장의 드로잉이며, 그 안에는 살아남은 가장 중요한 해부 연구들(자궁 속 태아, 등 근육, 심장 판막), 자연사 연구, 그리고 후기 대홍수 드로잉이 포함된다. 카를로 페드레티와 마틴 클레이턴이 카탈로그를 만들었다.

• 우피치 미술관

  초기 「수태고지」, 미완성의 「동방 박사의 경배」, 레오나르도가 유명한 천사를 기여한 베로키오의 「그리스도의 세례」, 그리고 피렌체 시기의 다수의 준비 드로잉.

• 아카데미아 미술관

  「비트루비우스적 인간」 드로잉 — 보존상의 이유로 짧고 드물게만 전시된다 — 과 함께 다른 레오나르도 드로잉의 작은 한 묶음.

다음 글

• 작품모나리자: 역사, 스푸마토, 그리고 세계에서 가장 유명한 그림레오나르도 다 빈치의 「모나리자」(c. 1503–1519)는 포플러 판넬에 그려진 작은 유화로, 세계에서 가장 많이 관람되는 회화가 되었다. 모델, 기법, 1911년의 도난, 그리고 이 그림의 사후의 삶에 대한 가이드.
• 사조인상주의란 무엇인가? 기원, 화가들, 그리고 현대미술에 끼친 영향인상주의는 가시적 붓터치, 야외 회화, 그리고 순간적인 빛과 일상의 묘사로 정의되는 19세기 프랑스 미술 운동이다.
• 작가빈센트 반 고흐: 생애, 회화, 그리고 현대미술의 탄생빈센트 반 고흐(1853–1890)는 생생한 색채와 표현적인 붓터치로 20세기 미술을 형성한 네덜란드의 후기 인상주의 화가였다.

자주 묻는 질문

출처

• 레오나르도 다 빈치 | Smarthistory(Editorial reference)
• 레오나르도 다 빈치(1452–1519) | 메트로폴리탄 미술관, 미술사 하일브룬 연표(Editorial reference)
• 레오나르도 다 빈치 — 브리태니커 백과사전(Editorial reference)
• 레오나르도 다 빈치 — 위키백과(CC BY-SA 3.0)
• 레오나르도 다 빈치 | 루브르 박물관(Editorial reference)
• 레오나르도 다 빈치 — 왕실 컬렉션 트러스트(Editorial reference)