모나리자: 역사, 스푸마토, 그리고 세계에서 가장 유명한 그림

레오나르도 다 빈치의 「모나리자」(c. 1503–1519)는 포플러 판넬에 그려진 작은 유화로, 세계에서 가장 많이 관람되는 회화가 되었다. 모델, 기법, 1911년의 도난, 그리고 이 그림의 사후의 삶에 대한 가이드.

「모나리자」란 무엇인가?

「모나리자」는 레오나르도 다 빈치가 약 1503년에서 1519년 사이에 한 장의 롬바르디아 포플러 목판 위에 유채로 그린 반신 초상화이다. 그 크기는 77 곱하기 53 센티미터로 — 전시실 안에서, 거의 모든 방문객이 예상하는 것보다 작다. 모델은 2005년의 한 자료 발견으로 합리적 의심을 거의 넘어서서 확인된 인물, 즉 프란체스코 델 조콘도라는 부유한 피렌체의 비단 상인의 아내 리자 게라르디니이다. 이 그림은 1518년경부터 프랑스 왕실, 이후 국가 컬렉션에 있어 왔고, 도난과 전시 대피의 시기를 제외하면 1797년부터 루브르 박물관에 걸려 있다. 그것은 세계에서 가장 많이 관람되는 그림이다.

「모나리자」가 실제로 묘사하는 것은 단정하게 차려 입은 한 젊은 피렌체 여인으로, 상상의 산악 풍경을 배경으로 한 로지아 발코니에 앉아 손목에서 손을 교차하고, 머리를 돌려 보는 이를 마주하고 있다. 이 자세는 1503년에 있어 초상화의 혁신이었으며, 살의 연기처럼 부드러운 모델링 — 레오나르도의 시그니처 스푸마토 — 은 이후 3세기 동안 유럽 전통이 좇게 될 기술적 기준을 세웠다. 그러나 이 그림의 현대적 명성은 화폭 자체보다는 그 주변에서 일어난 일들과 더 관련된, 미술사적·기술적·우연적 요인들이 얽힌 매듭에 달려 있다. 그것을 세계적 뉴스로 만든 1911년의 도난, 그 얼굴을 인류 역사상 가장 알아보기 쉬운 것으로 만든 20세기 복제 문화, 그리고 루브르 자체의 제도적 무게이다.

의뢰와 모델

이 그림은 아마 1503년 말 성공한 피렌체의 비단 상인 프란체스코 델 조콘도가 둘째 아들 안드레아의 탄생(1502년 12월)이나 새 집의 최근 구입을 기념하기 위해 의뢰한 것으로 보인다. 1550년에 글을 쓴 조르조 바사리는 그 의뢰에 관한 동시대에 가장 가까운 묘사를 제공한다. 그는 레오나르도가 그 작업을 맡아 그것을 끝내지 못한 채 4년 동안 매달렸다고, 모델의 표정을 살아 있게 유지하려고 작업실에 악사, 가수, 광대를 두었다고, 그리고 그가 글을 쓰던 — 그때는 이미 레오나르도가 죽은 지 30년이 넘은 — 시점에 그 그림이 ‘프랑수아 1세의 소유로, 퐁텐블로에’ 있었다고 보고한다.

19세기와 20세기의 대부분 동안 모델의 신원은 논쟁의 대상이었다. 문헌에 떠다닌 후보로는 이사벨라 데스테, 체칠리아 갈레라니, 파치피카 브란다니, 프란카빌라 공작부인, 그리고 그 밖에도 여섯 명 정도가 있었다. 이 논쟁은 2005년 하이델베르크 대학교 도서관의 사서 아르민 슐레히터에 의해 종결되었다. 도서관의 인큐내뷸러 컬렉션을 살피던 슐레히터는 1477년판 키케로 서간집 여백에서, 1503년 10월의 날짜가 적혀 있고 레오나르도와 개인적으로 알고 지내던 피렌체의 관리이자 지인 아고스티노 베스푸치가 쓴 손글씨 메모를 발견했다. 그 메모는 레오나르도가 그 순간 세 점의 그림에 매달려 있다고 보고하며 — 그중 하나가 ‘리자 델 조콘도의 머리’라고 적는다. 의뢰와 동시대에, 레오나르도를 개인적으로 알던 목격자가 쓴 그 한 문장이 수세기에 걸친 추측을 끝냈다. 모델은 리자 게라르디니이다.

리자 게라르디니는 그림이 시작되었을 때 스물넷이었다. 그녀는 자신이 열다섯, 남편이 약 서른이었던 1495년부터 프란체스코 델 조콘도와 결혼해 있었다. 다섯 명의 살아남은 자녀가 기록되어 있다. 그녀는 1538년 역병으로 사망한 남편보다 오래 살았으며, 1542년 7월 자신의 죽음 때 피렌체 산토르솔라 수녀원에 묻혔을 것으로 보인다 — 그러나 그녀의 유해를 회수하고자 했던 2011–2015년 산토르솔라에서의 법의학적 발굴은 결정적이지 않았다.

레오나르도는 그 그림을 결코 인도하지 않았다. 그는 1508년 미완성의 판넬을 가지고 피렌체를 떠나 밀라노로 갔고, 1513년경 그것을 로마로 가져갔으며, 마침내 1516년 프랑수아 1세의 봉직에 들어가면서 알프스를 넘어 프랑스로 가져갔다. 1519년 죽기 직전까지 그는 그 위에 작업을 계속했다. 1518년에 그 그림은 이미 프랑스 왕실 컬렉션에 있었고, 레오나르도의 상속인들로부터 — 가장 가능성이 높은 경우는 그의 생애 마지막 해에 레오나르도 자신으로부터 직접 — 프랑수아 1세가 매입하거나 취득한 것이었다. 피렌체의 조콘도 가문은 결코 그것을 소유한 적이 없다.

구성과 자세

구성은 가능한 가장 단순한 기저 기하학 — 정점이 모델의 머리에, 밑변이 교차한 손목을 지나는 정삼각형 — 위에 세워져 있다. 그 피라미드적 안정성 안에서 레오나르도는 콰트로첸토 초상화의 관습에서 신중히 조율된 일련의 일탈을 도입한다. 모델은 흉상이 아니라 반신으로 그려져 있고, 엄격한 측면이 아니라 화면을 향해 사분의 삼으로 돌려져 있으며, 시선은 정숙하게 비껴 보는 것이 아니라 보는 이를 만나고, 두 기둥의 기단으로 틀이 잡힌 가운데 뒤편 풍경으로 열린 높은 로지아에 앉아 있다. 그 결과는 라파엘로의 「마달레나 도니」(1506) 이후 유럽 초상화의 토대 템플릿이다.

1. 눈 — 스푸마토는 눈의 안쪽 모서리와 윗눈꺼풀 주위에서 가장 두드러진다. 모델의 시선은 방의 어느 위치에서든 보는 이를 만난다 — 19세기 지각 심리학이 처음 체계적으로 논한 그려진 시선의 속성이다.
2. 입 — 입가의 모서리는 20층에서 30층으로 추정되는 반투명 글레이즈로 이루어져 있으며, 각각이 국지적 톤을 1퍼센트의 한 조각만큼 옮긴다. 미소는 주변 시야에서 가장 강하게 나타나고, 직접 바라볼 때 가장 약하다.
3. 손 — 손목에서 교차한 손은 서양 초상화에서 가장 차분하고 가장 정성스럽게 그려진 손이다. 그것들은 피라미드 구성의 전경면을 설정하고, 그림 전체에 절제의 감각을 준다.
4. 난간 기둥 — 두 기둥 기단이 로지아 위의 인물에 틀을 잡아 준다. 17세기 이전 어느 시점에 그림이 좌우로 몇 센티미터 잘렸을 가능성이 높다 — 프라도에 있는 공방 복제본을 비롯한 초기 사본은 기둥을 지금보다 더 완전하게 보여 준다.
5. 공기 원근법의 지평선 — 오른쪽 위의 산들은 차가운 푸른 대기 원근법 속으로 멀어지며, 이론적으로 엄밀하고 그 효과를 체계적으로 사용한 점에서 그 이전 어느 유럽 회화보다도 훨씬 앞서 있다.
6. 분할된 지평선 — 모델의 머리 왼쪽 지평선은 오른쪽 지평선보다 눈에 띄게 낮다. 이 비대칭은 배경의 공간적 독해에 희미한 불안정을 만들어 낸다 — 그림의 가장 기이한 형식적 특징 중 하나이다.

스푸마토: 미소 주위의 연기

스푸마토는 — 이탈리아어 sfumare, ‘연기처럼 흩어지다’에서 왔다 — 레오나르도가 「회화론」에서 윤곽을 대기 속으로 용해시키는 것이라고 묘사한 기법이다. 형태는 윤곽선이 그려져서는 안 되며, 그림자로부터 너무도 미세한 단계로 떠올라야 해서 눈이 시작이나 끝을 식별할 수 없어야 한다. 「모나리자」의 입가 모서리, 눈의 안쪽 가장자리, 턱 아래의 그림자가 그 기법의 정전적 예시들이다. 그림 어디에도 선은 없다.

과학적 검사는 그 효과가 어떻게 만들어졌는지를 보여 주었다. 2007년 프랑스 공학자 파스칼 코트는 — 자외선부터 가시광선, 적외선에 이르는 13개의 파장에서 그림을 포착하는 맞춤 제작 다중 분광 카메라를 사용해 — 얼굴의 살색이 적어도 30층의 반투명 글레이즈로 만들어졌음을 보여 주는 분석을 발표했다. 글레이즈는 각각 몇 마이크로미터 두께에 불과하며 하나 위에 다른 하나가 쌓이고, 한두 가닥의 붓으로 발려 있다. 얼굴 어디에도 보이는 붓터치가 없는데, 개별 붓터치 어느 것도 흔적을 남길 만큼 두껍지 않기 때문이다. 프랑스 박물관 연구·복원 센터(C2RMF)는 X선 형광, 적외선 반사 영상, 싱크로트론 분석을 사용해 이 발견을 확인하고 확장했다. 안료는 그 시대의 통상적인 것들 — 연백, 버밀리언, 황색 납주석, 아주라이트, 울트라마린, 흙빛 엄버 — 이지만 기법은 그것 자체로 유일하다.

미소 자체 — 서양 미술에서 가장 유명한 표정 — 는 어떤 특정 특징에서가 아니라 이 기법에서 떠오른다. 입가의 모서리는 얼굴의 나머지보다 더 부드럽다. 윗입술과 뺨 사이의 이행은 아마 20층의 글레이즈로 만들어졌으며, 각각이 국지적 명도를 1퍼센트의 한 조각만큼 옮긴다. 눈은 어디를 바라보느냐에 따라 미소를 다르게 읽는다. 입을 직접 바라보면 미소는 흐려지고, 눈을 바라보면 미소는 주변 시야 속에서 더 강하게 나타난다. 이는 그림의 속임수가 아니라 시각계의 속성이다 — 중심와와 주변 시야의 해상도 차이 — 이지만, 레오나르도가 이해하고 이용한 듯한 속성이며, 다른 어느 초상화에서도 재현된 적이 없는 속성이다.

상상의 풍경

모델 뒤로 로지아는 지구상 어디에도 존재하지 않는 풍경으로 열린다. 왼쪽에서는 굽이진 길이 골짜기로 내려가고, 오른쪽에서는 돌다리로 보이는 무언가가 강이나 강어귀를 건너며, 멀리서는 들쭉날쭉한 산이 차가운 푸른 대기 원근법 속에서 안개 낀 하늘로 멀어진다. 풍경의 두 반쪽은 서로 정렬되지 않는다. 머리 왼쪽의 지평선은 오른쪽의 지평선보다 눈에 띄게 낮게 자리하며, 이 비대칭은 그림의 기이하고 꿈같은 불안정성에 기여한다. 여러 학자들은 그 다리가 피렌체 동쪽 아르노 강 위 부온탈렌티 양식의 폰테 부리아노와 닮았으며, 길은 레오나르도가 1502–03년 체사레 보르자를 위해 측량한 발디키아나 골짜기를 따른 것일 수 있다고 주장해 왔다. 이 독해는 그럴듯하지만 입증할 수 없다. 풍경은 상상된 것으로 — 어떤 단일한 광경에서 베껴낸 것이 아니라 레오나르도의 노트로부터 짜 맞춰진 지형 — 으로 이해하는 것이 가장 좋다.

공기 원근법 — 대기를 통한 깊이를 시사하기 위해 먼 요소들을 체계적으로 옅고 푸르게 만드는 기법 — 의 사용은 그 이전 어느 유럽 회화보다도 이론적으로 엄밀하다. 레오나르도는 1480년대부터 그 효과를 연구해 왔으며, 「모나리자」는 그것의 가장 순수한 적용이다. 오른쪽 위의 산들은 전경의 머리와 어깨와는 별개의 광학적 사건으로, 마치 다른 렌즈를 통해 보는 듯이 읽힌다. 그림은 평면의 단일 평면 초상화가 아니라 층을 이룬 대기적 무대가 된다.

피렌체에서 루브르까지

이 그림의 소유권 역사는 16세기 작품으로는 이례적으로 잘 기록되어 있다. 그것은 일생을 왕실, 이어 국가 컬렉션에서 보냈으며 — 거의 5세기 동안 사실상 네 명의 소유자만을 거쳤다. 주요 사건들은 아래 연표에 요약되어 있다.

1. c. 1503–1519
   레오나르도 다 빈치가 그리다

   프란체스코 델 조콘도의 의뢰로 피렌체에서 시작되어, 레오나르도가 그의 남은 16년에 걸쳐 피렌체, 밀라노, 로마, 프랑스에서 간헐적으로 작업했다. 조콘도 가문에게는 결코 인도되지 않았다.

2. c. 1518
   프랑스 왕 프랑수아 1세가 취득하다

   프랑수아 1세가 레오나르도로부터(또는 레오나르도의 사후 그의 상속인 살라이로부터 곧이어) 4,000에퀴에 매입하여 프랑스 왕실 컬렉션에 들여왔다. 프랑수아가 왕의 가장 중요한 그림들을 전시하기 위해 지은 특별한 욕실에 걸려, 퐁텐블로 왕성에 걸렸다.

3. 1683
   베르사유로 이전되다

   루이 14세에 의해 베르사유의 새 왕실 거주지로 옮겨져 처음에는 ‘회화의 방(Cabinet des Tableaux)’에 걸렸다. 앙시앵 레짐의 나머지 기간을 공개 전시되기보다 왕의 사적 처소에서 보냈다.

4. 1797
   루브르에 들어가다

   프랑스 혁명과 왕궁이 공공 박물관으로 전환된 이후, 새로 개관한 ‘무세 상트랄 데 자르(Musée Central des Arts)’ — 미래의 루브르 — 로 옮겨졌다.

5. 1800–1804
   나폴레옹의 침실에서

   나폴레옹 보나파르트에 의해 루브르에서 옮겨져 튀일리 궁 침실에 걸렸다. 1804년 나폴레옹의 대관식과 함께 루브르로 돌아왔다.

6. 21 August 1911
   빈첸초 페루자에 의해 도난당하다

   이탈리아 목수 빈첸초 페루자에 의해 월요일 청소일에 살롱 카레의 고리에서 떼어졌다. 도난은 26시간 동안 인지되지 않았고, 그림은 28개월 동안 페루자의 파리 셋방에 숨겨져 있었다.

7. December 1913
   피렌체에서 회수되다

   페루자가 피렌체의 화상 알프레도 제리에게 그림을 이탈리아에 팔겠다고 편지를 보냈다. 우피치의 조반니 포지가 그림의 진위를 확인한 뒤 그는 피렌체의 한 호텔에서 체포되었다. 「모나리자」는 파리로 돌아오기 전 몇 주 동안 이탈리아를 순회했다.

8. 4 January 1914
   루브르로 돌아가다

   살롱 카레의 공개 전시로 복귀했다. 도난과 회수에 대한 신문 보도가 이제 일반적으로 이 그림의 현대 세계적 명성으로 여겨지는 것을 만들어 냈다.

9. 1939–1945
   전시 대피

   1940년 독일 점령 직전 파리에서 대피되어, 자크 조자르의 명에 따라 큐레이터들이 비점령 지역의 일련의 성 — 처음에는 샹보르, 이후 루비니, 록디외, 몽토방 — 에 숨겼다. 1945년 루브르로 돌아왔다.

10. 1974
    순회 전시

    예외적으로, 그리고 마지막으로 도쿄와 모스크바에 대여되었다. 이후 이 그림은 루브르를 떠난 적이 없다.

11. 2005
    살 데 제타 재개관

    드농 관의 6년에 걸친 개·보수 후, 「모나리자」는 재설계된 살 데 제타 중앙의 독립 벽에 방탄유리 뒤로 설치되었다. 맞은편 벽은 박물관에서 단연 가장 큰 그림인 베로네세의 「가나의 혼인 잔치」를 보유한다.

12. 2024
    시간 예약 관람 도입

    혼잡에 대한 수년간의 불만이 이어진 뒤, 루브르는 의무적인 온라인 시간 예약 입장권을 도입했고, 박물관의 장기 재개발에서 이 그림에 전용 전시실을 마련할 계획을 발표했다.

1911년 도난과 세계적 명성

1911년 8월 21일 월요일 아침, 루브르는 주간 청소일을 맞아 대중에게 닫혀 있었다. 전해 박물관이 가장 중요한 그림들을 보호하는 유리 케이스를 만들기 위해 고용했던 서른 살의 이탈리아 목수 빈첸초 페루자는 작업복 차림으로 살롱 카레로 들어가 「모나리자」를 네 개의 철제 고리에서 들어 내려, 직원 통로로 들어갔다가 그림을 액자에서 꺼내, 판넬을 작업복 안에 숨기고, 자물쇠가 빠져 있던 문으로 박물관을 빠져나갔다. 그림이 사라진 것은 26시간 동안 인지되지 않았다. 도난이 마침내 보고되었을 때, 파리 경시청장은 박물관을 일주일 동안 폐쇄하고 100명이 넘는 직원을 심문했지만 아무런 성과를 거두지 못했다.

이 수사는 어떤 그림도 받아 본 적 없는 수준의 신문 보도를 만들어 냈다. 살롱 카레의 빈 벽 사진은 유럽과 미국의 모든 일간지 1면에 실렸다. 일주일 안에 「모나리자」는 현존하는 대상으로서 누렸던 명성보다, 부재하는 대상으로서 더 유명해졌다. 시인 기욤 아폴리네르와 화가 파블로 피카소는 잠시 용의자로 구금되었다 — 둘은 모두 이전에 루브르 직원에게서 도난당한 이베리아 조각상을 사들인 적이 있었다 — 그러나 곧 석방되었다. 페루자는 28개월 동안 가르 드 레스트 인근 자신의 셋방의 이중바닥 트렁크 안에 판넬을 숨겼다.

1913년 12월 10일 페루자는 피렌체의 화상 알프레도 제리에게 편지를 보내 그 그림을 이탈리아에 되팔겠다고 제안했다. 그는 도난당한 국보를 진정한 고향으로 돌려보내고자 하는 애국심에서 동기를 얻었다고 주장했지만 — 그가 동시에 여러 다른 구매자와도 협상해 왔다는 좋은 증거가 있다. 제리는 우피치의 관장 조반니 포지와의 만남을 주선했고, 두 사람은 피렌체의 한 호텔에서 페루자를 만났으며, 그림은 트렁크에서 들어 올려져 진위가 확인되었고, 페루자는 체포되었다. 그는 도난에 대해 7개월을 복역한 뒤 북부 이탈리아에서 조용히 여생을 보냈다. 「모나리자」는 이탈리아 도시들을 짧게 개선 순회한 뒤 1914년 1월 4일 루브르로 돌아왔다.

도난은 이 그림의 현대사에서 단연 가장 중요한 사건이다. 1911년 이전에 「모나리자」는 레오나르도의 후기 양식의 주목할 만한 예로서 미술사가들에게 존중받았지만, 아직 그것이 될 세계적 아이콘은 아니었다. 도난과 회수 동안의 2년에 걸친 1면 보도 — 정확히 대량 유통의 삽화 신문과 엽서가 세계적 도달을 이루어 가던 시점 — 는 이 그림이 의미를 갖게 될 대중을 만들어 냈다. 1920년대가 되자 그 얼굴은 이미 세계에서 가장 많이 복제되는 얼굴이 되어 있었다. 기법, 미소, 모델은 미술사가들이 연구하는 것이고, 도난은 그 그림을 유명하게 만든 것이다.

대중문화 속의 「모나리자」

「모나리자」는 20세기와 21세기의 거의 모든 시각 매체에서 패러디되고, 복제되고, 훼손되고, 대량생산되고, 인용되어 왔다. 아래의 목록은 가장 자주 인용되는 등장의 작은 선택이다. 완전한 목록은 수천 개 항목에 이를 것이다. 이 그림이 서양 미술의 정전적 이미지라는 지위는, 전통, 박물관, 명성, 또는 복제의 시각 문화 자체에 관해 논평하고자 하는 어떤 작품에 대해서도 그것을 자연스러운 표적으로 만든다.

• 마르셀 뒤샹, 「L.H.O.O.Q.」(1919) — 뒤샹이 그림의 작은 엽서 복제에 콧수염과 염소수염을 그리고, 프랑스어로 소리 내어 읽으면 외설적 말장난이 되는 다섯 글자의 제목을 붙인 작업. 20세기 미술에서 가장 많이 인용되는 다다이즘의 제스처이다.
• 살바도르 달리, 「모나리자로서의 자화상」(1954) — 달리의 얼굴이 「모나리자」의 몸에 겹쳐지고, 그 콧수염은 뒤샹의 앞선 개입에서 빌려 왔다.
• 냇 킹 콜, 「Mona Lisa」(1950) — 레이 에반스와 제이 리빙스턴의 팝 스탠더드로, 1950년 가장 많이 팔린 노래가 되었으며 이 그림에 대한 정전적 영어 권 언급이 되었다.
• 앤디 워홀, 「Thirty Are Better Than One」(1963) — 「모나리자」 서른 점을 실크스크린으로 격자로 짠 작품. 워홀이 같은 해 매릴린 먼로와 캠벨 수프 화폭에 사용한 대량 복제 기법으로 이 그림의 이미지를 곱한 것이다.
• 댄 브라운, 「다 빈치 코드」(2003) — 이 그림에 대한 가공의 도상학적 독해를 중심으로 짜인 베스트셀러 소설. 전 세계에서 8천만 부 이상이 팔렸으며 톰 행크스 주연의 2006년 할리우드 영화를 만들어 냈다.
• 뱅크시, 「Mona Lisa Bazooka」(c. 2000) — 「모나리자」가 로켓 발사기를 들고 있는 스텐실 작업. 수년에 걸친 뱅크시의 여러 개입 중 하나이다.
• 2009년 도자기 잔 — 한 관광객이 그림을 향해 빈 테라코타 잔을 던졌으나 유리는 손상되지 않았다. 그림은 무사했지만 이 사건은 보안에 대한 관심을 새롭게 환기시켰다.
• 2022년 케이크 사건 — 가발과 휠체어를 사용한 한 청년이 갤러리 직원에게 끌려나가기 전에 숨겨 둔 케이크의 크림을 보호 유리에 발랐다. 그림은 다시 손상되지 않았으며, 사건은 환경운동 시위였다.
• 2024년 수프 사건 — 두 명의 ‘리포스트 알리망테르’ 활동가가 식량 주권 캠페인 차원에서 그림에 호박 수프를 던졌다. 다시 한 번 유리가 충격을 받아냈고, 그림은 손상되지 않았다.
• 수많은 광고, 패션, 만화, 밈에 나타나는 등장들 — 막스 형제와 루니 툰부터 틱톡 필터와 AI로 만든 리믹스에 이르기까지. 그 얼굴은 어쩌면 예수 그리스도를 제외하고는 세계에서 가장 많이 복제된 인간 이미지이다.

오늘날 이 그림 보기

「모나리자」는 루브르의 살 데 제타 — 드농 관에 마련된 큰 전용 갤러리 — 에 걸려 있다. 방탄유리 뒤, 독립된 벽에, 칸막이로 한 방향의 관람객 동선이 통제된다. 이 방은 성수기에는 하루 약 3만 명의 방문객을 받는데, 그들의 거의 모두가 맞은편 벽의 단 한 그림을 위해 와 있다. 이 방의 다른 주요 작품들 — 「모나리자」 맞은편 베로네세의 거대한 「가나의 혼인 잔치」, 그리고 강력한 이탈리아 16세기 회화 한 묶음 — 은 관습적으로 간과된다.

방문객을 위한 실용적 조언: 시간 예약 입장권이 이제 필수이며, 사전에 루브르 웹사이트를 통해 온라인으로 예약해야 한다. 주말이 아니라 평일에 박물관 개관 시간에 도착하라. 그림은 입구에서 단일한 직선 복도의 끝에 있다 — 피라미드에서 오른쪽으로 돌아 드농 관으로 들어가, 사모트라케의 「니케」 옆 다뤼 계단을 올라, 똑바로 걸으면 된다. 그림은 그 명성이 시사하는 것보다 훨씬 작다. 로프 차단 뒤편, 아마 3미터 정도 떨어진 거리에서 보는 것이 대부분의 방문객이 다가갈 수 있는 가장 가까운 거리이다. 방탄유리와 전시실 조명의 각도는, 실물에서 색과 표면의 세부를 읽기 어렵게 만든다 — 루브르 자체의 기가픽셀 이미지와 같은 고해상도 온라인 복제는, 기법을 연구하는 데에는 때로 더 유익하다.

다음 글

• 작가레오나르도 다 빈치: 생애, 회화, 그리고 보편적 정신레오나르도 다 빈치(1452–1519)는 이탈리아 르네상스의 화가이자 과학자, 공학자였으며, 「모나리자」와 「최후의 만찬」을 비롯한 한 줌의 완성된 회화로 서양 미술이 가진 천재의 관념을 규정했다.
• 작가빈센트 반 고흐: 생애, 회화, 그리고 현대미술의 탄생빈센트 반 고흐(1853–1890)는 생생한 색채와 표현적인 붓터치로 20세기 미술을 형성한 네덜란드의 후기 인상주의 화가였다.
• 사조인상주의란 무엇인가? 기원, 화가들, 그리고 현대미술에 끼친 영향인상주의는 가시적 붓터치, 야외 회화, 그리고 순간적인 빛과 일상의 묘사로 정의되는 19세기 프랑스 미술 운동이다.

자주 묻는 질문

출처

• 모나리자 | 루브르 박물관(Editorial reference)
• 모나리자 | Smarthistory(Editorial reference)
• 모나리자, 레오나르도 다 빈치 — 브리태니커 백과사전(Editorial reference)
• 모나리자 — 위키백과(CC BY-SA 3.0)
• 파스칼 코트, 「모나리자에 비추인 빛(Lumière on the Mona Lisa)」(빈치 에디션, 2015)(Editorial reference)
• 하이델베르크 대학교 도서관, 「모나리자」 모델 신원에 관한 여백 메모(베스푸치 1503)(Editorial reference)