Leonardo da Vinci: vita, dipinti e l'intelletto universale

Leonardo da Vinci (1452–1519) fu il pittore, scienziato e ingegnere del Rinascimento italiano i cui pochi dipinti compiuti — tra cui la Gioconda e L'Ultima Cena — definirono l'idea di genio nell'arte occidentale.

Chi era Leonardo da Vinci?

Leonardo da Vinci (1452–1519) fu un poliedrico ingegno italiano dell'Alto Rinascimento i cui interessi spaziavano dalla pittura e dalla scultura all'anatomia, all'ingegneria, all'idraulica, all'ottica, alla botanica, alla geologia e alla progettazione di macchine che non sarebbero state costruite per altri quattro secoli. Meno di venti dipinti possono essergli attribuiti con certezza, e diversi di questi sono incompiuti, eppure egli è generalmente considerato la figura centrale del periodo in cui l'arte italiana raggiunse il proprio massimo sviluppo tecnico e intellettuale.

Il suo significato risiede tanto in ciò che rifiutò di terminare quanto in ciò che portò a compimento. Trattava la pittura come una scienza del vedere, rallentava il proprio lavoro fino alla velocità della propria osservazione e lasciò dietro di sé circa 7.200 pagine di taccuini superstiti in cui la stessa mente inquieta sezionava cadaveri, tracciava i vortici dei fiumi, progettava macchine volanti, schizzava le proporzioni del corpo umano e descriveva le regole della luce e dell'ombra in maniera più approfondita di qualunque contemporaneo. I pochi dipinti che condusse a termine — L'Ultima Cena a Milano, la Gioconda oggi al Louvre, la Vergine delle Rocce, la Dama con l'ermellino — fissarono uno standard di intelligenza pittorica attorno al quale l'arte europea avrebbe gravitato per i tre secoli successivi.

Vinci, Firenze e la bottega del Verrocchio (1452–1482)

Leonardo nacque il 15 aprile 1452 nella frazione di Anchiano, poco fuori dalla piccola cittadina toscana di Vinci. Era figlio illegittimo di Ser Piero da Vinci, un affermato notaio fiorentino, e di una contadina di nome Caterina, di cui si sa pochissimo oltre al nome di battesimo. Le circostanze della sua nascita ebbero conseguenze che si sarebbe portato per tutta la vita: in quanto figlio illegittimo gli era preclusa la professione notarile che esercitava il padre, così come le grandi corporazioni e le università che reclutavano i propri membri tra le famiglie legittime. Crebbe nella tenuta familiare di Vinci con i nonni paterni e con uno zio, Francesco, che gli insegnò a leggere il paesaggio con l'attenzione di un agricoltore.

Intorno al 1466, quando Leonardo aveva quattordici anni, suo padre trasferì la famiglia a Firenze e lo collocò come garzone — apprendista di bottega — presso Andrea del Verrocchio, il principale scultore e pittore della città. La bottega del Verrocchio era un'istituzione ibrida che produceva monumenti bronzei, sepolcri marmorei, dipinti su tavola, oreficerie, decorazioni per le feste e scenografie teatrali per la corte medicea; tra i suoi apprendisti e collaboratori figuravano Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio e Lorenzo di Credi. Lì Leonardo apprese il disegno dal vero, la chimica dei pigmenti, la lavorazione del bronzo e del marmo, l'ingegneria della grande scultura pubblica e la retorica compositiva richiesta dalla nuova pittura fiorentina.

Il suo primo contributo documentato a un dipinto compiuto è l'angelo a sinistra del Battesimo di Cristo del Verrocchio, dipinto in bottega tra il 1472 circa e il 1475 e oggi agli Uffizi. Giorgio Vasari, scrivendo settant'anni più tardi, riferì il celebre aneddoto secondo cui Verrocchio, vedendo quanto compiutamente il giovane Leonardo lo avesse superato nella resa di quell'angelo, rinunciò per sempre alla pittura su tavola. La storia è quasi certamente un'elaborazione letteraria, ma il dipinto stesso lo conferma: il profilo dell'angelo, la morbidezza dei capelli e il modellato della guancia sono visibilmente opera di una mano diversa e più evoluta.

Leonardo fu ammesso alla corporazione fiorentina dei pittori, la Compagnia di San Luca, nel 1472 — a vent'anni, ma ancora vivendo e lavorando presso il Verrocchio. Le sue prime tele indipendenti seguono poco dopo: la piccola Annunciazione oggi agli Uffizi (c. 1472), il Ritratto di Ginevra de' Benci (c. 1474–78, oggi alla National Gallery of Art di Washington) e l'Adorazione dei Magi incompiuta (1481), commissionata dai monaci di San Donato a Scopeto e abbandonata quando Leonardo partì per Milano. Già in queste opere giovanili sono visibili le abitudini che avrebbero contraddistinto la sua intera carriera: il rifiuto di delineare le forme con un contorno netto, una predilezione per il lento modellato tonale anziché per la linea e la disponibilità ad abbandonare una commissione nel momento in cui si presentasse un problema più interessante.

Milano e la corte degli Sforza (1482–1499)

Nel 1482, quando Leonardo aveva trent'anni, Lorenzo de' Medici lo inviò a nord, a Milano, come una sorta di ambasciatore culturale presso Ludovico Sforza, reggente (e dal 1494 duca) della città. Prima di lasciare Firenze, Leonardo redasse un'oggi celebre lettera di autopresentazione a Ludovico. La missiva elencava le sue qualifiche in dieci punti numerati — in gran parte militari e ingegneristici: ponti portatili, macchinari d'assedio, metodi per drenare fossati, dispositivi per spezzare le galee nemiche, progetti di artiglieria, scultura, architettura. Solo al decimo punto, quasi di sfuggita, aggiunse di saper anche dipingere come qualunque altro uomo in Italia. L'ordine era strategico: la Milano sforzesca era in guerra e una corte aveva più bisogno di ingegneri che di pittori da tavola.

Vi rimase diciassette anni e divenne la figura centrale del progetto culturale sforzesco. La corte gli commissionò tre delle sue opere più importanti. La prima fu la Vergine delle Rocce, dipinta in due versioni — la più antica (c. 1483–86) si trova oggi al Louvre; una replica successiva con l'assistenza della sua bottega (c. 1495–1508) è alla National Gallery di Londra. Entrambe sono radicali nel trattamento della luce: la Vergine e i bambini siedono in una grotta la cui oscurità non è descritta da una sotto-tinta nera ma da un'atmosfera satura di azzurri e verdi freddi, dalla quale le figure emergono con la graduale visibilità degli oggetti che appaiono attraverso la nebbia.

La seconda fu L'Ultima Cena, dipinta tra il 1495 e il 1498 sulla parete nord del refettorio del convento domenicano di Santa Maria delle Grazie. Leonardo voleva dipingere abbastanza lentamente da poter stratificare il colore, velare le tonalità e ritoccare — nessuna di queste cose è possibile nel vero affresco, in cui il pigmento viene steso sull'intonaco umido che si asciuga in una sola mattinata. Inventò una miscela sperimentale di tempera e olio su intonaco asciutto, preparata con gesso e una mestica sigillante. La tecnica gli permise di lavorare per tre anni sulla stessa parete e gli regalò la spettacolare intensità psicologica dei volti degli apostoli nel secondo successivo all'annuncio di Cristo che uno di loro lo avrebbe tradito. Cominciò anche a sfaldarsi già durante la vita di Leonardo. La parete è stata restaurata sette volte ed è oggi solo un frammento della superficie originaria, ma la composizione rimane il dipinto religioso più analizzato dell'arte occidentale.

La terza grande commissione milanese, mai portata a termine, fu un monumento equestre in bronzo a Francesco Sforza, padre di Ludovico e fondatore della dinastia. Leonardo lavorò al progetto per dodici anni — progettando la fusione di quello che sarebbe stato il più grande bronzo equestre mai tentato, modellando un cavallo in argilla a grandezza naturale che espose nel 1493 per le nozze della nipote di Ludovico e producendo i disegni superstiti oggi a Windsor. Il bronzo non fu mai fuso: nel 1494, con le truppe francesi che si ammassavano al confine alpino, le settanta tonnellate di bronzo che Ludovico aveva messo da parte furono fuse per ricavarne cannoni. Quando le truppe francesi di Luigi XII presero Milano nel 1499 il modello in argilla fu utilizzato dagli arcieri guasconi come bersaglio e distrutto. Leonardo fuggì a sud.

Oltre a questi tre grandi progetti, gli anni milanesi videro l'inizio della sua sistematica pratica del taccuino scientifico. Cominciò a scrivere in scrittura speculare — da destra a sinistra con la mano sinistra — forse per evitare di sbavare l'inchiostro umido, forse per preservare la riservatezza di un lavoro abbastanza inconsueto da attirare sospetti. Iniziò un trattato di pittura, un trattato sul moto delle acque, un trattato sull'anatomia del cavallo e un trattato sul volo, nessuno dei quali portato a termine. L'Ultima Cena gli era costata tre anni; i progetti incompiuti si moltiplicavano attorno ad essa.

Il secondo periodo fiorentino (1500–1508)

Dopo la caduta di Milano, Leonardo viaggiò brevemente per Mantova e Venezia, poi tornò a Firenze nell'aprile del 1500 — diciotto anni dopo averla lasciata. Aveva ormai quarantotto anni, era famoso e privo di un mecenate stabile. La Repubblica di Firenze, restaurata dopo la breve teocrazia savonaroliana, gli commissionò un gigantesco affresco murale nella Sala dei Cinquecento, la sala del consiglio di Palazzo Vecchio: la Battaglia di Anghiari, una vittoria fiorentina del 1440. Al giovane Michelangelo fu affidata la parete opposta per dipingervi la Battaglia di Cascina. Nessuno dei due affreschi fu portato a termine. Michelangelo abbandonò il proprio per rispondere alla chiamata di papa Giulio II a Roma. Leonardo, lavorando ancora una volta in un medium sperimentale pensato per consentire le velature a olio su parete, scoprì che il colore si rifiutava di asciugare correttamente; provò a riscaldare la parete con bracieri di carbone, le porzioni superiori si liquefecero e il gruppo centrale superstite si degradò nel giro di pochi decenni. Ciò che resta della sua Battaglia di Anghiari è noto solo attraverso disegni preparatori e attraverso una copia di una copia eseguita da Peter Paul Rubens.

Tra il 1502 e il 1503 Leonardo trascorse dieci mesi come ingegnere militare al servizio di Cesare Borgia, il cardinale-condottiero che stava ritagliandosi uno Stato personale nell'Italia centrale con il sostegno del padre, papa Alessandro VI. Leonardo viaggiò con il Borgia attraverso Imola, Urbino, Cesena e la Romagna; produsse la celebre mappa aerea di Imola — una delle prime rappresentazioni cartografiche di una città vista esattamente dall'alto — e rilevò fortificazioni, porti e attraversamenti fluviali. L'incarico si concluse bruscamente quando Alessandro VI morì nell'agosto del 1503 e il regime di Cesare crollò. Leonardo tornò a Firenze.

È in questo secondo periodo fiorentino che cominciò la Gioconda, probabilmente nel 1503, commissionata (secondo il Vasari) dal mercante di seta fiorentino Francesco del Giocondo per la moglie Lisa Gherardini. Vi lavorò a intervalli per sedici anni. Non la consegnò mai. Il dipinto viaggiò con lui a nord verso Milano nel 1508, quando i francesi lo richiamarono, e in Francia nel 1516. Era in suo possesso al momento della morte.

Gli anni 1503–1508 videro anche un'intensa ripresa del suo lavoro anatomico. Leonardo praticava dissezioni almeno dagli anni Ottanta del Quattrocento, ma in questo periodo ottenne l'accesso all'ospedale di Santa Maria Nuova a Firenze e, in seguito, alla scuola medica di Pavia, dove collaborò con l'anatomista Marcantonio della Torre. Per sua stessa testimonianza dissezionò più di trenta corpi di entrambi i sessi e di tutte le età, producendo i disegni oggi divisi tra la Royal Collection a Windsor e un piccolo gruppo a Torino. Sono tra i più raffinati disegni anatomici mai realizzati — più raffinati, nella descrizione del rapporto stratificato tra osso, muscolo, vaso e organo, di qualunque cosa nella letteratura medica per i successivi duecentocinquant'anni.

Opere principali

Il catalogo dei dipinti universalmente accettati di Leonardo è uno dei più brevi di qualsiasi grande artista occidentale. L'elenco che segue raccoglie le opere per le quali l'attribuzione è essenzialmente incontestata dagli studi moderni, in ordine grosso modo cronologico. Diversi pezzi — il Salvator Mundi nel modo più controverso — restano dibattuti. Molte delle sue concezioni più importanti sopravvivono solo in versioni di bottega, copie di seguaci o nei suoi stessi disegni preparatori.

Annunciazione

c. 1472

Galleria degli Uffizi, Firenze

Uno dei primi dipinti indipendenti di Leonardo, realizzato mentre lavorava ancora nella bottega del Verrocchio. Le ali dell'angelo, osservate anatomicamente, e il porto che si allontana sullo sfondo annunciano già il suo impegno per la pittura come scienza dell'osservazione.

Ginevra de' Benci

c. 1474–1478

National Gallery of Art, Washington, D.C.

L'unico dipinto di Leonardo nelle Americhe — un ritratto su commissione privata il cui cespuglio di ginepro è un emblema bisticcio del nome della ritrattata. Mostra già il suo rifiuto di delineare la forma con un contorno netto.

Adorazione dei Magi

1481 (unfinished)

Galleria degli Uffizi, Firenze

Commissionata dai monaci di San Donato a Scopeto, abbandonata quando Leonardo partì da Firenze per Milano nel 1482. La sotto-tinta sopravvive e mostra il pensiero compositivo radicale — un vorticoso assembramento di figure organizzato attorno a una piramide centrale — che avrebbe plasmato la pittura europea della pala d'altare per due secoli.

Vergine delle Rocce

1483–1486 (Louvre); c. 1495–1508 (National Gallery, London)

Musée du Louvre, Parigi; National Gallery, Londra

Due versioni superstiti della stessa composizione, dipinte per la Confraternita dell'Immacolata Concezione presso la chiesa di San Francesco Grande a Milano. La prima grande opera in cui lo sfumato leonardesco e la prospettiva aerea operano insieme per dissolvere il confine tra figura e atmosfera.

Dama con l'ermellino

c. 1489–1491

Museo Czartoryski, Cracovia

Ritratto di Cecilia Gallerani, amante di Ludovico Sforza. L'ermellino è un bisticcio araldico sull'Ordine dell'Ermellino di Ludovico e sul cognome di Cecilia (il greco per ermellino è galée). La posa di tre quarti con la testa nettamente girata fu un'innovazione ritrattistica che Raffaello avrebbe presto assorbito.

L'Ultima Cena

1495–1498

Refettorio di Santa Maria delle Grazie, Milano

Il dipinto religioso più analizzato dell'arte occidentale. La composizione cattura il momento immediatamente successivo a quando Cristo ha detto «uno di voi mi tradirà» — gli apostoli disposti in quattro gruppi di tre, ciascuno con una reazione diversa. Il medium sperimentale cominciò a sfaldarsi già durante la vita di Leonardo; la parete è stata restaurata sette volte ed è oggi un frammento della superficie originaria.

Uomo Vitruviano

c. 1490

Gallerie dell'Accademia, Venezia

Disegno — non un dipinto — che illustra le proporzioni descritte dall'architetto romano Vitruvio. La figura inscritta sia in un quadrato sia in un cerchio è divenuta l'immagine singolarmente più riprodotta nella storia dell'arte occidentale al di fuori della Gioconda.

Gioconda

c. 1503–1519

Musée du Louvre, Parigi

Ritratto di Lisa Gherardini, moglie del mercante di seta fiorentino Francesco del Giocondo. Leonardo portò con sé la tavola incompiuta per sedici anni e in tre Paesi, e non la consegnò mai. È oggi il dipinto più visitato al mondo.

Salvator Mundi

c. 1500 (attribution debated)

Collezione privata (ubicazione non resa nota dal 2017)

Un'immagine devozionale di Cristo con una sfera di cristallo. Venduto da Christie's nel novembre 2017 per 450 milioni di dollari — allora il prezzo più alto mai pagato all'asta per un dipinto. L'attribuzione alla mano di Leonardo — anziché alla sua bottega — rimane la più contestata negli studi rinascimentali attuali.

San Giovanni Battista

c. 1513–1516

Musée du Louvre, Parigi

L'ultimo dipinto compiuto da Leonardo. La figura del Battista emerge dall'oscurità totale in uno sfumato estremo, con la mano destra che indica verso l'alto — un gesto che Leonardo aveva usato nell'Ultima Cena una generazione prima. Portato da Leonardo in Francia e lasciato in eredità a Salaì.

Scienziato, anatomista, ingegnere

Leonardo lasciò dietro di sé circa 7.200 pagine di taccuini superstiti — un tempo parte di una raccolta assai più vasta. Dopo la sua morte le carte passarono al suo allievo Francesco Melzi, che le tenne intatte per cinquant'anni; alla morte del Melzi gli eredi permisero che i taccuini rilegati venissero smembrati, venduti a pezzi e dispersi per tutta Europa. Sono oggi suddivisi in codici denominati conservati da biblioteche e collezionisti privati. I taccuini contengono osservazioni e schizzi scritti in maniera speculare su una gamma sorprendente di argomenti, pochissimi dei quali furono pubblicati durante la sua vita. La loro riscoperta nell'Ottocento impose una revisione del modo in cui era stata compresa la scienza rinascimentale.

1. Codice Atlantico (Biblioteca Ambrosiana, Milano) — 1.119 fogli, la più ampia collezione singola, che spazia tra meccanica, idraulica, volo, matematica e arte della guerra; assemblato dallo scultore Pompeo Leoni negli anni Ottanta del Cinquecento.
2. Codice Leicester (privato, di proprietà di Bill Gates dal 1994) — 72 pagine di osservazione geologica e idrologica, tra cui una notevole spiegazione proto-scientifica del motivo per cui i fossili marini compaiono sulle cime delle montagne.
3. Codice Arundel (British Library, Londra) — 283 fogli di appunti misti di meccanica, geometria e architettura, riuniti dopo la morte di Leonardo.
4. Codice Trivulziano (Biblioteca Trivulziana, Milano) — 51 fogli, tra cui studi di teste grottesche ed esercizi di vocabolario latino.
5. Codice sul volo degli uccelli (Biblioteca Reale, Torino) — 18 fogli che studiano la meccanica del volo degli uccelli come modello per la progettazione di un ornitottero umano.
6. Disegni anatomici (Royal Collection Trust, Windsor) — circa 600 fogli, tra cui i celebri studi sul feto nell'utero, sui muscoli della schiena, sulle valvole del cuore e sulle ossa del piede.
7. Codici di Madrid I e II (Biblioteca Nacional de España) — 192 + 158 fogli di ingegneria meccanica e di cartografia, riscoperti nella collezione della biblioteca solo nel 1965.

L'ampiezza degli argomenti è unica nel periodo. Leonardo descrisse — tra le altre cose — l'azione delle valvole cardiache cinquecento anni prima che fossero riscoperte dalla cardiologia moderna; schizzò un paracadute, uno scafandro per immersioni subacquee, un ponte autoportante, un veicolo corazzato e una macchina volante che approssima la meccanica della rotazione elicoidale; calcolò la resistenza delle travi sotto carico; disegnò la geologia stratificata dei letti fluviali e teorizzò che i fossili di animali marini sulle montagne italiane dimostrassero che quelle montagne erano un tempo state in fondo al mare — una conclusione che il mondo intellettuale cattolico non avrebbe accettato per altri duecento anni.

Quasi nulla di questo lavoro fu pubblicato durante la vita di Leonardo. Il suo Trattato della pittura fu l'unico corpus prosastico sostanziale a entrare in circolazione — e anche quello solo nel 1651, più di un secolo dopo la sua morte, curato e abbreviato da Cassiano dal Pozzo a partire da una compilazione che il Melzi aveva fatto degli scritti d'arte di Leonardo. I taccuini scientifici rimasero sostanzialmente privati fino al tardo Ottocento e all'inizio del Novecento, quando la trascrizione sistematica di Jean Paul Richter (1883) ed Edmondo Solmi (1907) li rese accessibili. Per allora la maggior parte delle scoperte era già stata compiuta indipendentemente da altri, e ciò che i taccuini rivelavano era meno un repertorio di scoperte di una serie e più il ritratto di un particolare tipo di mente: una che trattava il disegno come strumento del pensiero.

Sfumato e il metodo leonardesco

La pittura matura di Leonardo è definita da tre invenzioni intrecciate. La prima è lo sfumato — la parola viene dall'italiano sfumare, dissiparsi come fumo — in cui le transizioni tra luce e ombra sono attenuate fino a divenire quasi impercettibili. Nella sua pittura tarda non vi sono contorni netti. Gli occhi della Gioconda non hanno bordi; l'ombra che definisce l'angolo della bocca è costruita forse da trenta o quaranta velature traslucide, ciascuna più sottile di un capello umano, applicate con pennelli così fini da non lasciare alcuna traccia visibile. La tecnica è l'antitesi della tradizione lineare del disegno fiorentino in cui era cresciuto, ed è il fondamento di ogni successivo tentativo di rendere la carne nella pittura a olio.

La seconda invenzione è la prospettiva aerea — chiamata anche prospettiva atmosferica — in cui gli oggetti distanti sono resi più chiari, più azzurri e con contorni più morbidi rispetto a quelli vicini, così come l'occhio li percepisce effettivamente attraverso la foschia dell'aria interposta. Leonardo non fu il primo pittore europeo a usare l'effetto, ma fu il primo a teorizzarlo esplicitamente e a impiegarlo come elemento strutturale anziché decorativo. Le montagne che si allontanano della Gioconda e della Vergine delle Rocce operano come un evento ottico distinto rispetto alle figure in primo piano; il dipinto diventa un palcoscenico atmosferico stratificato anziché un singolo piano uniformemente illuminato.

La terza è il chiaroscuro: il modellato drammatico delle forme attraverso luce e ombra anziché attraverso il contorno. I giovani apostoli dell'Ultima Cena, protesi sopra la mensa nel secondo successivo all'annuncio di Cristo, sono descritti come masse di luce e ombra il cui peso tridimensionale è comunicato interamente dal modellato tonale. Caravaggio un secolo più tardi, e Rembrandt un secolo dopo ancora, avrebbero costruito le proprie opere sulle fondamenta che Leonardo aveva qui posato.

Queste invenzioni tecniche ebbero un costo. Il metodo di Leonardo era lento — all'Ultima Cena i contemporanei riferirono che poteva trascorrere mezza giornata su una singola pennellata e poi allontanarsi per una settimana senza dipingere affatto. Lasciò un numero notevole di grandi commissioni incompiute: l'Adorazione dei Magi, il San Girolamo, la Battaglia di Anghiari, il monumento equestre sforzesco. Si caricava di più di quanto potesse portare a termine e revisionava all'infinito. La Gioconda lo accompagnò per sedici anni perché, a suo stesso giudizio, non fu mai finita.

Ultimi anni in Francia (1516–1519)

Nel 1513 Leonardo si trasferì da Firenze a Roma, dove il suo mecenate era Giuliano de' Medici, fratello di papa Leone X. Gli anni romani furono una relativa delusione: produsse poco e fu eclissato in Vaticano dal molto più giovane Michelangelo (impegnato a completare la volta della Sistina) e da Raffaello (intento a decorare gli appartamenti pontifici). Quando Giuliano de' Medici morì nel 1516 Leonardo accettò un invito che gli era stato rivolto con insistenza da diversi anni: il re Francesco I di Francia gli offrì una generosa pensione, una casa e il titolo di premier peintre, architecte et mécanicien du Roi.

Leonardo si recò a nord oltre le Alpi nell'autunno del 1516, accompagnato dal suo allievo ed erede Francesco Melzi e dal servitore Battista de Vilanis. Portò con sé tre dipinti dai quali aveva rifiutato di separarsi: la Gioconda, la Vergine col Bambino e sant'Anna e il San Giovanni Battista. Si stabilì nel piccolo maniero di Cloux — oggi il Château du Clos Lucé — a distanza di passeggio dalla residenza reale di Amboise sulla Loira. Aveva sessantaquattro anni.

Dipinse poco in Francia. Una paralisi del lato destro a seguito di un ictus, probabilmente sofferto sul finire del 1517, gli rese difficile impugnare il pennello, sebbene da mancino potesse ancora disegnare e scrivere. Progettò le feste per il battesimo del Delfino e per le nozze della nipote del re. Pianificò un vasto progetto di canale per collegare le valli della Loira e della Saona. Disegnò gli studi per quella che sarebbe forse stata una residenza reale a Romorantin. Trascorse lunghi pomeriggi in conversazione con Francesco I, che a quanto si dice visitava la casa di Cloux attraverso un passaggio sotterraneo dalla reggia reale.

Leonardo morì a Cloux il 2 maggio 1519, all'età di sessantasette anni. Per testamento, redatto alcune settimane prima, lasciò il contenuto del proprio studio — manoscritti, disegni, strumenti — a Francesco Melzi; le vigne che possedeva fuori Milano al servitore Salaì; gli abiti e il denaro ai fratellastri e alla governante; e i tre dipinti a Salaì. Il Vasari, scrivendo trent'anni più tardi, raccontò che Leonardo morì tra le braccia di Francesco I; il re probabilmente non era ad Amboise quel giorno, ma la storia ha la forma giusta, e il pittore e il sovrano erano stati legati. Fu sepolto nella chiesa di Saint-Florentin ad Amboise. La tomba fu manomessa durante la Rivoluzione francese e le reliquie disperse; ciò che oggi è identificato come la sua tomba nella cappella di Saint-Hubert all'interno del castello di Amboise è una ricostruzione ottocentesca.

Eredità e influenza

La reputazione postuma di Leonardo fu costruita anzitutto da Giorgio Vasari, le cui Vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori apparvero nel 1550 e in un'edizione ampliata nel 1568. Vasari collocò Leonardo all'inizio della propria terza e ultima età — la maniera moderna — e si servì della biografia per fissare un modello dell'artista come singolo genio dotto piuttosto che come artigiano. La maggior parte degli aneddoti che oggi definiscono il Leonardo popolare proviene dal Vasari: il Verrocchio che spezza i pennelli per la disperazione, la Gioconda che sorride ai musici e ai buffoni che Leonardo assoldava per intrattenerla, la morte tra le braccia di Francesco I.

Tra i pittori della generazione successiva l'influenza diretta fu massima sui cosiddetti Leonardeschi — il gruppo non strutturato di seguaci milanesi tra cui Giovanni Antonio Boltraffio, Bernardino Luini, Marco d'Oggiono e lo stesso Salaì. Le loro opere diffondono le composizioni di Leonardo, il suo sfumato e i suoi caratteristici tipi fisionomici per tutta l'Italia settentrionale e oltre. Raffaello, che vide la Gioconda a Firenze e ne fece un disegno, assorbì la composizione piramidale leonardesca e la posa di tre quarti del ritratto nel canone della ritrattistica dell'Alto Rinascimento. Andrea del Sarto e il Correggio costruirono entrambi direttamente sullo sfumato di Leonardo; il Correggio lo estese al morbido luminismo delle proprie cupole parmensi.

Oltre ai suoi seguaci diretti, la tradizione del chiaroscuro che Caravaggio formalizzò alla fine del Cinquecento e che Rembrandt approfondì nel Seicento discende dall'invenzione leonardesca del modellato tonale drammatico. La riscoperta ottocentesca dei taccuini — in particolare la trascrizione sistematica avviata da Jean Paul Richter nel 1883 — produsse l'immagine moderna di Leonardo come genio universale e l'emblema popolare del Rinascimento stesso. Dalla fine dell'Ottocento in poi è la figura attraverso cui si racconta ogni storia popolare dell'arte europea.

La cultura di massa del XX e del XXI secolo ha solo intensificato questo aspetto. La Gioconda divenne il dipinto più visitato al mondo dopo il furto del 1911 (si veda la guida sulla Gioconda). L'Uomo Vitruviano è oggi un'icona di pressoché qualsiasi istituzione che desideri rivendicare una fusione di arte e scienza. Il Codice da Vinci di Dan Brown (2003) ha venduto oltre 80 milioni di copie. La biografia di Walter Isaacson Leonardo da Vinci (2017) è stata un fenomeno editoriale. L'attribuzione del Salvator Mundi venduto da Christie's nel 2017 per 450 milioni di dollari — il prezzo più alto mai pagato all'asta per un dipinto — si è basata su un'attribuzione a lui contestata. È diventato, forse più di qualsiasi altra figura storica, il simbolo popolare della curiosità umana stessa.

Con le sue stesse parole

I taccuini di Leonardo sono ricchi di aforismi, osservazioni e consigli pratici all'apprendista. Le righe che seguono sono tra le più spesso citate; ciascuna è tratta dai codici superstiti e dal Trattato della pittura. Restituiscono il senso del temperamento che sta dietro ai dipinti — paziente, esatto e implacabile sulla difficoltà del lavoro.

Influenze

• Andrea del Verrocchio (maestro e pittore della bottega in cui Leonardo si formò)
• Antonio Pollaiuolo (disegno anatomico e studio dinamico della figura in movimento)
• Masaccio (la tradizione chiaroscurale della pittura fiorentina del Quattrocento)
• La tecnica oleosa fiamminga delle origini trasmessa a sud attraverso Antonello da Messina (velature stratificate di derivazione van eyckiana)
• Vitruvio e la tradizione classica della proporzione corporea
• Aristotele e la filosofia naturale attraverso l'umanesimo fiorentino

Influenza sull'arte successiva

• I Leonardeschi (Boltraffio, Bernardino Luini, Marco d'Oggiono, Salaì)
• Raffaello (composizione, sfumato e ritrattistica)
• Andrea del Sarto e la pittura fiorentina dell'Alto Rinascimento
• Il Correggio e il luminismo della scuola parmense
• Caravaggio e la tradizione chiaroscurale del Seicento
• Rembrandt e il Barocco olandese
• L'immagine moderna del poliedrico — il simbolo fondante dell'artista-scienziato

Dove vedere queste opere

• Musée du Louvre

  Cinque dipinti — la Gioconda, la Vergine delle Rocce (versione del Louvre), la Vergine col Bambino e sant'Anna, il San Giovanni Battista e La Belle Ferronnière — oltre a importanti disegni. La più ampia concentrazione singola di dipinti di Leonardo al mondo.

• National Gallery

  La versione londinese della Vergine delle Rocce (c. 1495–1508) e il Cartone di Burlington House — lo studio a grandezza naturale a carboncino per la Vergine col Bambino e sant'Anna e san Giovanni Battista.

• Royal Collection Trust

  Circa 600 fogli di disegni, tra cui gli studi anatomici superstiti più importanti (il feto nell'utero, i muscoli della schiena, le valvole del cuore), gli studi di storia naturale e i tardi disegni del diluvio. Catalogati da Carlo Pedretti e Martin Clayton.

• Galleria degli Uffizi

  La prima Annunciazione, l'incompiuta Adorazione dei Magi, il Battesimo di Cristo del Verrocchio cui Leonardo contribuì con il celebre angelo e diversi disegni preparatori degli anni fiorentini.

• Gallerie dell'Accademia

  Il disegno dell'Uomo Vitruviano — esposto solo brevemente e di rado per motivi conservativi — insieme a un piccolo gruppo di altri disegni leonardeschi.

Da leggere dopo

• OpereGioconda: storia, sfumato e il dipinto più celebre al mondoLa Gioconda di Leonardo da Vinci (c. 1503–1519) è un piccolo olio su tavola di pioppo che è diventato il dipinto più visitato al mondo. Una guida alla ritrattata, alla tecnica, al furto del 1911 e alla sopravvivenza del dipinto.
• MovimentiCos'è l'Impressionismo? Origini, artisti e influenza sull'arte modernaL'Impressionismo è un movimento artistico francese dell'Ottocento caratterizzato dalla pennellata visibile, dalla pittura en plein air e dalla rappresentazione della luce fugace e della vita quotidiana.
• ArtistiVincent van Gogh: vita, dipinti e nascita dell'arte modernaVincent van Gogh (1853–1890) fu un pittore post-impressionista olandese il cui colore vivido e la cui pennellata espressiva plasmarono l'arte del Novecento.

Domande frequenti

Fonti

• Leonardo da Vinci | Smarthistory(Editorial reference)
• Leonardo da Vinci (1452–1519) | Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art(Editorial reference)
• Leonardo da Vinci — Encyclopædia Britannica(Editorial reference)
• Leonardo da Vinci — Wikipedia(CC BY-SA 3.0)
• Leonardo da Vinci | Musée du Louvre(Editorial reference)
• Leonardo da Vinci — Royal Collection Trust(Editorial reference)