Mona Lisa: Geschichte, Sfumato und das berühmteste Gemälde der Welt

Leonardo da Vincis Mona Lisa (um 1503–1519) ist eine kleine Öltafel auf Pappelholz, die zum meistbesuchten Gemälde der Welt geworden ist. Ein Leitfaden zur Dargestellten, zur Technik, zum Diebstahl von 1911 und zum Nachleben des Bildes.

Was ist die Mona Lisa?

Die Mona Lisa ist ein halbfiguriges Porträt von Leonardo da Vinci, in Öl auf einer einzigen Tafel aus lombardischem Pappelholz zwischen etwa 1503 und 1519 ausgeführt. Sie misst 77 mal 53 Zentimeter — kleiner, im Raum, als fast jeder Besucher erwartet. Die Dargestellte, durch einen Archivfund von 2005 nahezu zweifelsfrei identifiziert, ist Lisa Gherardini, die Frau eines wohlhabenden florentinischen Seidenhändlers namens Francesco del Giocondo. Das Gemälde befindet sich seit etwa 1518 in der französischen königlichen und später nationalen Sammlung und hängt — abgesehen von Phasen des Diebstahls und der Kriegsevakuierung — seit 1797 im Musée du Louvre. Es ist das meistbesuchte Gemälde der Welt.

Was die Mona Lisa tatsächlich darstellt, ist eine junge florentinische Frau, schlicht gekleidet, auf einem Loggia-Balkon vor einer imaginären Berglandschaft sitzend, die Hände am Handgelenk verschränkt und den Kopf dem Betrachter zugewandt. Die Pose war 1503 eine porträttechnische Neuerung; die langsame, rauchweiche Modellierung des Fleisches — Leonardos Markenzeichen Sfumato — setzte einen technischen Maßstab, dem die europäische Tradition die nächsten drei Jahrhunderte nachjagen sollte. Die moderne Berühmtheit des Gemäldes beruht jedoch auf einem Geflecht kunsthistorischer, technischer und zufälliger Faktoren, die weniger mit der Tafel selbst zu tun haben als mit dem, was um sie herum geschah: dem Diebstahl von 1911, der sie zu einer globalen Nachricht machte, der Reproduktionskultur des 20. Jahrhunderts, die ihr Gesicht zum bekanntesten der Menschheitsgeschichte machte, und dem institutionellen Gewicht des Louvre selbst.

Der Auftrag und die Dargestellte

Das Gemälde wurde vermutlich Ende 1503 von Francesco del Giocondo, einem erfolgreichen florentinischen Seidenhändler, in Auftrag gegeben, um entweder die Geburt seines zweiten Sohnes Andrea (Dezember 1502) oder den jüngst erfolgten Erwerb eines neuen Hauses zu feiern. Giorgio Vasari, der 1550 schrieb, liefert die einzige nahezu zeitgenössische Beschreibung des Auftrags. Er berichtet, Leonardo habe das Werk übernommen und vier Jahre an ihm gearbeitet, ohne es zu vollenden; er habe Musiker, Sänger und Possenreißer im Atelier beschäftigt, um den Ausdruck der Dargestellten lebendig zu halten; und das Gemälde sei „noch im Besitz König Franz' I., zu Fontainebleau", als Vasari schrieb — damals schon mehr als dreißig Jahre nach Leonardos Tod.

Während des größten Teils des 19. und 20. Jahrhunderts blieb die Identifizierung der Dargestellten umstritten. In der Literatur kursierten Kandidatinnen wie Isabella d'Este, Cecilia Gallerani, Pacifica Brandani, die Herzogin von Francavilla und ein halbes Dutzend weiterer. Die Frage wurde 2005 von Armin Schlechter geklärt, einem Bibliothekar an der Universität Heidelberg. Bei der Durchsicht der Inkunabelnsammlung der Bibliothek fand Schlechter am Rand einer Cicero-Briefausgabe von 1477 eine handschriftliche Notiz von Agostino Vespucci, einem florentinischen Beamten und Bekannten Leonardos, datiert auf den Oktober 1503. Die Notiz berichtet, dass Leonardo in diesem Moment an drei Gemälden arbeite — eines davon „der Kopf der Lisa del Giocondo". Dieser eine Satz, gleichzeitig mit dem Auftrag und von einem Augenzeugen, der Leonardo persönlich kannte, beendete die jahrhundertelange Spekulation. Die Dargestellte ist Lisa Gherardini.

Lisa Gherardini war vierundzwanzig, als das Gemälde begonnen wurde. Sie war seit 1495 mit Francesco del Giocondo verheiratet, damals fünfzehn, er etwa dreißig. Fünf überlebende Kinder sind belegt. Sie überlebte ihren Mann, der 1538 an der Pest starb, und wurde nach ihrem eigenen Tod im Juli 1542 vermutlich im Kloster Sant'Orsola in Florenz beigesetzt — obgleich forensische Grabungen 2011–2015 in Sant'Orsola, die ihre Überreste zu bergen hofften, ergebnislos blieben.

Leonardo lieferte das Gemälde nie aus. Er verließ Florenz 1508 in Richtung Mailand und nahm die unvollendete Tafel mit; trug sie um 1513 weiter nach Rom; und führte sie schließlich 1516 über die Alpen nach Frankreich, als er in den Dienst König Franz' I. trat. Er arbeitete bis kurz vor seinem Tod 1519 weiter an ihr. 1518 war das Gemälde bereits in der französischen königlichen Sammlung, von Franz I. an Leonardos Erben veräußert oder erworben — höchstwahrscheinlich unmittelbar von Leonardo selbst im letzten Jahr seines Lebens. Die Familie Giocondo in Florenz hat es nie besessen.

Komposition und Pose

Die Komposition ist auf der einfachsten denkbaren zugrundeliegenden Geometrie aufgebaut — einem gleichseitigen Dreieck, dessen Spitze am Kopf der Dargestellten liegt und dessen Basis durch ihre verschränkten Handgelenke verläuft. Innerhalb dieser pyramidalen Stabilität führt Leonardo eine Reihe sorgfältig kalibrierter Abweichungen von der Porträtkonvention des Quattrocento ein. Die Dargestellte wird halbfigurig statt als Büste gezeigt; sie ist im Dreiviertelprofil statt streng im Profil zur Bildebene gewendet; ihr Blick begegnet dem Betrachter, statt sich züchtig abzuwenden; sie sitzt auf einer hohen, zur Landschaft hin offenen Loggia, gerahmt von den Basen zweier Säulen. Das Ergebnis ist die Gründungsvorlage der europäischen Porträtmalerei von Raffaels Maddalena Doni (1506) an.

1. Augen — Das Sfumato ist an den inneren Augenwinkeln und um die oberen Lider am ausgeprägtesten. Der Blick der Dargestellten begegnet dem Betrachter an jeder Stelle im Raum — eine Eigenschaft des gemalten Blicks, die erstmals systematisch in der Wahrnehmungspsychologie des 19. Jahrhunderts diskutiert wurde.
2. Mund — Die Mundwinkel sind aus geschätzt zwanzig bis dreißig durchscheinenden Lasuren aufgebaut, von denen jede den lokalen Tonwert um den Bruchteil eines Prozents verschiebt. Das Lächeln erscheint am stärksten in der peripheren Wahrnehmung, am schwächsten, wenn man direkt darauf blickt.
3. Hände — Die am Handgelenk verschränkten Hände sind die ruhigsten und sorgfältigsten Hände der abendländischen Porträtmalerei. Sie etablieren die Vordergrundebene der pyramidalen Komposition und geben dem ganzen Gemälde sein Gefühl der Zurückhaltung.
4. Säulen der Balustrade — Zwei Säulenbasen rahmen die Figur auf der Loggia. Das Gemälde wurde vermutlich vor dem 17. Jahrhundert links und rechts um wenige Zentimeter beschnitten — frühe Kopien, darunter eine Werkstattreplik im Prado, zeigen die Säulen vollständiger sichtbar.
5. Horizont der Luftperspektive — Die Berge rechts oben weichen in kühlblauer atmosphärischer Perspektive zurück, theoretisch stringent und der systematischen Anwendung des Effekts in jeder früheren europäischen Malerei weit voraus.
6. Geteilter Horizont — Die Horizontlinie links vom Kopf der Dargestellten liegt deutlich niedriger als der Horizont rechts. Die Asymmetrie erzeugt eine leichte Instabilität in der räumlichen Lesart des Hintergrundes — eines der seltsamsten formalen Merkmale des Gemäldes.

Sfumato: Der Rauch um das Lächeln

Sfumato — vom italienischen sfumare, sich wie Rauch auflösen — ist die Technik, die Leonardo im Trattato della pittura als das Auflösen der Kontur in die Atmosphäre beschreibt. Formen sollten nicht umrissen werden; sie sollten in so feinen Abstufungen aus dem Schatten heraustreten, dass das Auge weder Anfang noch Ende ausmachen kann. Die Mundwinkel der Mona Lisa, die inneren Lider der Augen und der Schatten unter ihrem Kinn sind die kanonischen Beispiele der Technik. Auf dem Gemälde gibt es nirgends eine Linie.

Wissenschaftliche Untersuchungen haben gezeigt, wie der Effekt erzeugt wurde. 2007 veröffentlichte der französische Ingenieur Pascal Cotte — mit einer eigens gebauten Multispektralkamera, die das Gemälde in dreizehn Wellenlängen vom Ultraviolett über das sichtbare Licht bis zum Infrarot erfasste — eine Analyse, die zeigte, dass die Hauttöne des Gesichts aus mindestens dreißig durchscheinenden Lasuren aufgebaut sind, jede nur wenige Mikrometer dick, mit Pinseln von ein oder zwei Haaren übereinander aufgetragen. Auf dem Gesicht sind nirgends sichtbare Pinselstriche, weil keiner der einzelnen Striche dick genug ist, eine Spur zu hinterlassen. Das Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF) hat diese Befunde mit Röntgenfluoreszenz, Infrarotreflektografie und Synchrotronanalyse bestätigt und erweitert. Die Pigmente sind für die Epoche konventionell — Bleiweiß, Zinnober, Bleizinngelb, Azurit, Ultramarin, Erdumbra —, doch die Technik ist sui generis.

Das Lächeln selbst — der berühmteste Ausdruck der abendländischen Kunst — entsteht aus dieser Technik, nicht aus einem bestimmten Merkmal. Die Mundwinkel sind weicher als der Rest des Gesichts. Der Übergang zwischen Oberlippe und Wange ist aus vielleicht zwanzig Lasuren aufgebaut, von denen jede den lokalen Tonwert um den Bruchteil eines Prozents verschiebt. Das Auge liest das Lächeln unterschiedlich, je nachdem, worauf es sich konzentriert: Blickt man direkt auf den Mund, verblasst das Lächeln; blickt man auf die Augen, erscheint das Lächeln in der peripheren Wahrnehmung stärker. Dies ist eine Eigenschaft des Sehsystems und kein Kunstgriff des Gemäldes — der Auflösungsunterschied zwischen fovealem und peripherem Sehen —, aber einer, den Leonardo offenbar verstand und nutzte, und einer, der in keinem anderen Porträt repliziert worden ist.

Die imaginäre Landschaft

Hinter der Dargestellten öffnet sich die Loggia auf eine Landschaft, die es nirgends auf der Erde gibt. Links windet sich eine Straße in ein Tal hinab; rechts überspannt etwas, das eine Steinbrücke zu sein scheint, einen Fluss oder eine Flussmündung; in der Ferne weichen zackige Berge in kühlblauer Luftperspektive in einen dunstigen Himmel zurück. Die beiden Hälften der Landschaft fluchten nicht miteinander: Der Horizont links vom Kopf liegt merklich niedriger als der Horizont rechts, eine Asymmetrie, die zur seltsamen, traumartigen Instabilität des Bildes beiträgt. Mehrere Forscher haben argumentiert, die Brücke ähnele der buontalentesken Ponte Buriano über den Arno östlich von Florenz, und die Straße könne dem Tal der Valdichiana folgen, das Leonardo 1502–03 für Cesare Borgia vermessen hatte. Die Lesart ist plausibel, aber nicht beweisbar: Die Landschaft ist am besten als imaginiert zu verstehen, eine Topografie, die aus Leonardos Notizbüchern zusammengesetzt und nicht von einem einzigen Anblick abgemalt ist.

Der Einsatz der Luftperspektive — das systematische Aufhellen und Bläuen entfernter Elemente, um Tiefe durch Atmosphäre zu suggerieren — ist theoretisch stringenter als in jeder früheren europäischen Malerei. Leonardo hatte den Effekt seit den 1480er Jahren studiert; die Mona Lisa ist seine reinste Anwendung. Die Berge rechts oben wirken als ein vom Kopf und den Schultern im Vordergrund abgesondertes optisches Ereignis, als sähe man sie durch ein anderes Objektiv. Das Gemälde wird zu einer geschichteten atmosphärischen Bühne statt zu einem flachen einflächigen Porträt.

Von Florenz in den Louvre

Die Besitzgeschichte des Gemäldes ist für ein Werk des 16. Jahrhunderts ungewöhnlich gut dokumentiert. Es hat sein ganzes Leben in königlichen und dann staatlichen Sammlungen verbracht — fast fünf Jahrhunderte mit faktisch vier Besitzern. Die wichtigsten Ereignisse sind in der folgenden Zeittafel zusammengefasst.

1. c. 1503–1519
   Von Leonardo da Vinci gemalt

   Begonnen in Florenz im Auftrag Francesco del Giocondos und mit Unterbrechungen über die verbleibenden sechzehn Jahre seines Lebens hinweg in Florenz, Mailand, Rom und Frankreich bearbeitet. Niemals an die Familie Giocondo ausgeliefert.

2. c. 1518
   Von König Franz I. von Frankreich erworben

   Von Franz I. für 4.000 écus bei Leonardo (oder kurz nach Leonardos Tod bei seinem Erben Salaì) gekauft und in die französische königliche Sammlung aufgenommen. Im königlichen Schloss Fontainebleau in einem eigens errichteten Badehaus aufgehängt, in dem Franz die wichtigsten Gemälde des Königs zeigte.

3. 1683
   Nach Versailles überführt

   Von Ludwig XIV. in die neue königliche Residenz Versailles überführt und zunächst im Cabinet des Tableaux aufgehängt. Verbrachte den Rest des Ancien Régime in den Privatgemächern des Königs und nicht im öffentlichen Bestand.

4. 1797
   Aufnahme in den Louvre

   Nach der Französischen Revolution und der Umwandlung des königlichen Palastes in ein öffentliches Museum in das neu eröffnete Musée Central des Arts (den künftigen Louvre) überführt.

5. 1800–1804
   Im Schlafzimmer Napoleons

   Von Napoleon Bonaparte aus dem Louvre entfernt und in seinem Schlafzimmer im Tuilerienpalast aufgehängt. Zur Krönung Napoleons 1804 in den Louvre zurückgegeben.

6. 21 August 1911
   Von Vincenzo Peruggia gestohlen

   Am Reinigungstag (Montag) im Salon Carré vom italienischen Schreiner Vincenzo Peruggia von seinen Haken gehoben. Der Diebstahl wurde sechsundzwanzig Stunden lang nicht bemerkt, und das Gemälde blieb achtundzwanzig Monate lang in Peruggias Pariser Zimmer verborgen.

7. December 1913
   In Florenz wiedergefunden

   Peruggia schrieb dem Florentiner Kunsthändler Alfredo Geri und bot an, das Gemälde an Italien zu verkaufen. Er wurde in einem Florentiner Hotel verhaftet, nachdem das Gemälde von Giovanni Poggi von den Uffizien authentifiziert worden war. Die Mona Lisa tourte mehrere Wochen durch Italien, bevor sie nach Paris zurückgebracht wurde.

8. 4 January 1914
   Rückkehr in den Louvre

   Im Salon Carré wieder öffentlich ausgestellt. Die Presseberichterstattung über Diebstahl und Wiederauffindung gilt heute allgemein als Ursprung des modernen globalen Ruhms des Gemäldes.

9. 1939–1945
   Kriegsevakuierung

   In den Tagen vor der deutschen Besetzung 1940 aus Paris evakuiert und in einer Reihe von Schlössern in der unbesetzten Zone versteckt — zuerst in Chambord, dann in Louvigny, Loc-Dieu und Montauban — durch Kuratoren auf Befehl von Jacques Jaujard. 1945 in den Louvre zurückgebracht.

10. 1974
    Wanderausstellungen

    Ausnahmsweise und zum letzten Mal nach Tokio und Moskau verliehen. Seither hat das Gemälde den Louvre nicht mehr verlassen.

11. 2005
    Wiedereröffnung der Salle des États

    Nach einer sechsjährigen Renovierung des Denon-Flügels wurde die Mona Lisa auf einer freistehenden Wand in der Mitte der neu gestalteten Salle des États hinter kugelsicherem Glas aufgehängt. Die gegenüberliegende Wand trägt Veroneses Hochzeit zu Kana, das mit Abstand größte Gemälde des Museums.

12. 2024
    Einführung der Zeitfensterbesichtigung

    Nach jahrelanger Kritik an Überfüllung führte der Louvre die obligatorische Online-Reservierung von Zeitfenstertickets ein und kündigte Pläne an, dem Gemälde im Zuge der langfristigen Neuordnung des Museums einen eigenen Saal zu widmen.

Der Diebstahl von 1911 und der globale Ruhm

Am Morgen des Montags, 21. August 1911, war der Louvre für den wöchentlichen Reinigungstag der Öffentlichkeit geschlossen. Vincenzo Peruggia, ein dreißigjähriger italienischer Schreiner, der im Vorjahr vom Museum angestellt worden war, um die Schutzglaskästen für seine wichtigsten Gemälde zu bauen, betrat in Arbeitskleidung den Salon Carré, hob die Mona Lisa von ihren vier Eisenhaken, ging in eine Diensttreppe, nahm das Gemälde aus dem Rahmen, verbarg die Tafel unter seinem Kittel und verließ das Museum durch eine Tür, deren Schloss fehlte. Das Gemälde wurde sechsundzwanzig Stunden lang nicht vermisst. Als der Diebstahl schließlich gemeldet wurde, ließ der Pariser Polizeipräfekt das Museum eine Woche schließen, vernahm mehr als hundert Angestellte und erzielte kein Ergebnis.

Die Ermittlungen lösten eine Berichterstattung aus, wie sie kein Gemälde zuvor erfahren hatte. Fotografien der leeren Wand im Salon Carré erschienen auf den Titelseiten jeder europäischen und amerikanischen Tageszeitung. Innerhalb einer Woche war die Mona Lisa als abwesendes Objekt berühmter, als sie es je als anwesendes gewesen war. Der Dichter Guillaume Apollinaire und der Maler Pablo Picasso wurden kurzzeitig als Verdächtige festgenommen — beide hatten zuvor von einem Louvre-Aufseher gestohlene iberische Skulpturen erworben —, aber wieder freigelassen. Peruggia verbarg die Tafel achtundzwanzig Monate lang in einem Koffer mit doppeltem Boden in seinem gemieteten Zimmer nahe dem Gare de l'Est.

Am 10. Dezember 1913 schrieb Peruggia dem Florentiner Kunsthändler Alfredo Geri und bot an, das Gemälde an Italien zurückzuverkaufen. Er gab an, von Patriotismus angetrieben zu sein — er wolle einen gestohlenen Nationalschatz an seinen wahren Ort zurückführen —, obgleich es starke Hinweise darauf gibt, dass er auch mit mehreren anderen Käufern verhandelt hatte. Geri arrangierte ein Treffen mit dem Direktor der Uffizien, Giovanni Poggi; die beiden trafen Peruggia in einem Hotel in Florenz; das Gemälde wurde aus dem Koffer gehoben und authentifiziert; Peruggia wurde verhaftet. Er saß sieben Monate für den Diebstahl ein und lebte den Rest seines Lebens still in Norditalien. Die Mona Lisa kehrte nach einer kurzen triumphalen Tournee durch italienische Städte am 4. Januar 1914 in den Louvre zurück.

Der Diebstahl ist das wichtigste einzelne Ereignis in der modernen Geschichte des Gemäldes. Vor 1911 wurde die Mona Lisa von Kunsthistorikern als bemerkenswertes Beispiel von Leonardos Spätstil bewundert, aber sie war noch nicht die globale Ikone, zu der sie werden sollte. Die zwei Jahre Titelseitenberichterstattung während des Diebstahls und der Wiederauffindung — genau in dem Moment, da Massenillustrierte und Postkarten weltweite Reichweite erzielten — schufen jenes Publikum, für das das Gemälde wichtig werden sollte. In den 1920er Jahren war ihr Gesicht bereits das am häufigsten reproduzierte der Welt. Die Technik, das Lächeln und die Dargestellte sind das, was Kunsthistoriker untersuchen; der Diebstahl ist das, was das Gemälde berühmt gemacht hat.

Die Mona Lisa in der Populärkultur

Die Mona Lisa ist in fast jedem visuellen Medium des 20. und 21. Jahrhunderts parodiert, kopiert, beschädigt, massenhaft reproduziert und zitiert worden. Die folgende Liste ist eine kleine Auswahl der meistzitierten Erscheinungen; eine vollständige Aufstellung käme auf Tausende von Einträgen. Der Status des Gemäldes als kanonisches Bild der abendländischen Kunst macht es zu einem natürlichen Ziel für jedes Kunstwerk, das die Tradition, Museen, Berühmtheit oder die visuelle Kultur der Reproduktion selbst kommentieren will.

• Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919) — eine kleine Postkartenreproduktion des Gemäldes, auf die Duchamp Schnurrbart und Kinnbart zeichnete und einen fünfbuchstabigen Titel hinzufügte, der, auf Französisch laut gelesen, ein vulgäres Wortspiel ergibt. Die meistzitierte Dada-Geste der Kunst des 20. Jahrhunderts.
• Salvador Dalí, Selbstporträt als Mona Lisa (1954) — Dalís Gesicht auf den Körper der Mona Lisa montiert, sein Schnurrbart entlehnt aus Duchamps früherer Intervention.
• Nat King Cole, „Mona Lisa" (1950) — Popstandard von Ray Evans und Jay Livingston, der zum meistverkauften Lied des Jahres 1950 und zur kanonischen englischsprachigen Bezugnahme auf das Gemälde wurde.
• Andy Warhol, Thirty Are Better Than One (1963) — ein gesiebdrucktes Raster aus dreißig Mona Lisas, das Bild durch das Verfahren der Massenreproduktion vervielfacht, das Warhol im selben Jahr für die Leinwände mit Marilyn Monroe und Campbell's Soup nutzte.
• Dan Brown, Sakrileg (2003) — Bestsellerroman um eine fiktive ikonografische Lesart des Gemäldes; weltweit über 80 Millionen Mal verkauft und 2006 als Hollywoodfilm mit Tom Hanks verfilmt.
• Banksy, Mona Lisa Bazooka (um 2000) — Schablonenarbeit, die die Mona Lisa mit einem Raketenwerfer zeigt; eine von mehreren Banksy-Interventionen im Lauf der Jahre.
• 2009 Tassenwurf — ein Tourist warf einen leeren Terrakottakrug gegen das Gemälde; das Glas blieb unbeschädigt. Das Gemälde wurde nicht in Mitleidenschaft gezogen, doch der Vorfall lenkte erneut Aufmerksamkeit auf die Sicherheit.
• 2022 Torten-Attacke — ein junger Mann mit Perücke und im Rollstuhl schmierte Sahne aus einer verborgenen Torte auf das Schutzglas, bevor er von Galerieangestellten entfernt wurde. Das Gemälde blieb erneut unbeschädigt; der Vorfall war ein umweltpolitischer Protest.
• 2024 Suppen-Attacke — zwei Aktivistinnen von Riposte Alimentaire warfen Kürbissuppe auf das Gemälde, um eine Kampagne für Ernährungssouveränität zu unterstützen. Wiederum fing das Glas den Aufprall ab; das Gemälde blieb unversehrt.
• Unzählige Auftritte in Werbung, Mode, Cartoons und Memes — von den Marx Brothers und Looney Tunes bis zu TikTok-Filtern und KI-generierten Remixen. Das Gesicht ist nach, möglicherweise, dem Jesu Christi das am häufigsten reproduzierte menschliche Bild der Welt.

Das Gemälde heute sehen

Die Mona Lisa hängt in der Salle des États des Louvre — einem großen, eigens errichteten Saal im Denon-Flügel — hinter einer Scheibe aus kugelsicherem Glas auf einer freistehenden Wand, mit einem durch Absperrungen geregelten Einbahnverkehr der Besucher. Der Saal empfängt in der Hochsaison rund 30.000 Besucher pro Tag, fast alle wegen des einen Gemäldes an der gegenüberliegenden Wand. Die anderen großen Werke im Saal — Veroneses gewaltige Hochzeit zu Kana gegenüber der Mona Lisa und eine starke Gruppe italienischer Werke des 16. Jahrhunderts — werden regelmäßig übersehen.

Praktischer Rat für Besucher: Zeitfenstertickets sind inzwischen erforderlich und müssen im Voraus online über die Website des Louvre gebucht werden. Treffen Sie an einem Werktag und nicht am Wochenende zur Öffnung des Museums ein. Das Gemälde befindet sich am Ende eines einzigen geradlinigen Korridors vom Eingang aus — von der Pyramide aus rechts in den Denon-Flügel abbiegen, die Daru-Treppe an der Geflügelten Nike von Samothrake vorbei hinaufsteigen und geradeaus weitergehen. Das Gemälde ist viel kleiner, als sein Ruf nahelegt; eine Betrachtung vom hinteren Ende der Absperrung, etwa drei Meter entfernt, ist das Nächste, was die meisten Besucher kommen. Das kugelsichere Glas und der Beleuchtungswinkel des Saals erschweren es, Farbe und Oberflächendetail vor Ort zu lesen — hochauflösende Online-Reproduktionen, etwa das eigene Gigapixel-Bild des Louvre, sind für das Studium der Technik oft aufschlussreicher.

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Häufig gestellte Fragen

Quellen

• Mona Lisa | Musée du Louvre(Editorial reference)
• Mona Lisa | Smarthistory(Editorial reference)
• Mona Lisa, Leonardo da Vinci — Encyclopædia Britannica(Editorial reference)
• Mona Lisa — Wikipedia(CC BY-SA 3.0)
• Pascal Cotte, Lumière on the Mona Lisa (Vinci Editions, 2015)(Editorial reference)
• Randbemerkung der Universitätsbibliothek Heidelberg zur Identifikation der Mona-Lisa-Dargestellten (Vespucci 1503)(Editorial reference)