Qu'est-ce que l'impressionnisme ? Origines, artistes et influence sur l'art moderne

L'impressionnisme est un mouvement artistique français du XIXe siècle caractérisé par une touche visible, la peinture en plein air et la représentation de la lumière fugitive et de la vie quotidienne.

Qu'est-ce que l'impressionnisme ?

L'impressionnisme est un mouvement artistique du XIXe siècle né à Paris dans les années 1860 et 1870. Il se caractérise par des touches brèves et visibles, une attention portée aux variations de la lumière naturelle, des sujets ordinaires et la pratique de la peinture en plein air — directement face à la scène saisie. Le mouvement a rompu de façon décisive avec la tradition académique léchée qui dominait la peinture française depuis deux siècles, ouvrant ainsi la voie à presque tous les développements ultérieurs de l'art moderne.

Le nom lui-même fut un accident, et à l'origine une insulte. En avril 1874, le critique Louis Leroy rendit compte d'une exposition indépendante organisée par un groupe de peintres maintes fois refusés par le Salon officiel de Paris. S'arrêtant sur une petite toile de Claude Monet intitulée Impression, soleil levant (1872), Leroy se moqua de l'œuvre, qu'il jugeait inachevée — une simple « impression ». Les artistes s'approprièrent cette injure et, en quelques années, le terme « impressionnistes » s'imposa pour désigner un mouvement qui allait remodeler l'art occidental.

Les origines dans la France du XIXe siècle

Les racines de l'impressionnisme remontent au milieu du XIXe siècle, lorsque plusieurs forces convergentes commencèrent à desserrer l'emprise de la peinture académique. L'Académie des Beaux-Arts et son Salon parisien jury privilégiaient les peintures d'histoire, les scènes mythologiques et les surfaces minutieusement finies. Tout ce qui s'écartait de ces conventions — sujets urbains modernes, touche visible, composition spontanée — était systématiquement rejeté.

Trois courants antérieurs préparèrent le terrain. L'école de Barbizon, active dans les forêts autour de Paris à partir des années 1830, défendit la peinture de paysage et l'esquisse en plein air. L'usage hardi des couleurs complémentaires par Eugène Delacroix révéla comment des teintes juxtaposées pouvaient s'intensifier mutuellement sur la toile. Et après la réouverture du Japon au commerce occidental en 1854, les estampes sur bois de Hokusai, Hiroshige et Utamaro affluèrent à Paris, montrant des compositions aplaties, des cadrages asymétriques et des couleurs sans modelé qui frappèrent les jeunes artistes européens comme une révélation.

Une évolution tout aussi importante fut technologique. L'invention du tube de peinture en métal pliable en 1841 libéra les artistes du broyage des pigments à l'atelier et rendit possible, pour la première fois, l'exécution d'une œuvre finie entièrement en extérieur. Les pigments vifs préparés par la chimie industrielle — jaune de chrome, bleu de cobalt, vert émeraude, outremer synthétique — offrirent aux peintres une palette éclatante à laquelle les générations précédentes n'avaient jamais eu accès.

Édouard Manet, légèrement plus âgé que les artistes qui seront bientôt appelés impressionnistes, joua le rôle de figure de transition. Ses toiles scandaleuses — Le Déjeuner sur l'herbe (1863) et Olympia (1865) — appliquaient une peinture plate et brossée à des sujets contemporains et provoquèrent des controverses durables. Bien que Manet lui-même n'ait jamais exposé avec le groupe impressionniste, son refus de polir ses œuvres jusqu'à la lisseur académique offrit aux jeunes peintres un modèle à prolonger.

L'exposition de 1874 qui donna son nom au mouvement

Au début des années 1870, un cercle restreint d'artistes — Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Berthe Morisot et d'autres — se réunissait au Café Guerbois, avenue de Clichy, partageant toiles, frustrations et la conviction que le système du Salon ne les laisserait jamais passer. Ils décidèrent de monter leur propre exposition indépendante.

La première exposition ouvrit le 15 avril 1874 dans l'ancien atelier du photographe Nadar, au 35 boulevard des Capucines. Trente artistes y exposèrent 165 œuvres. Le catalogue s'intitulait « Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ». Il n'y avait ni manifeste ni style commun — seulement un refus partagé du verrouillage académique.

Le compte rendu sarcastique de Leroy dans le journal satirique Le Charivari forgea le terme qui resta. Huit autres expositions de groupe suivirent entre 1876 et 1886, la composition variant à chaque édition. Lors de la huitième et dernière exposition, en mai 1886, le mouvement s'était largement fragmenté : Monet, Renoir et Sisley avaient cessé de participer, tandis que des figures plus jeunes comme Georges Seurat et Paul Signac s'orientaient déjà vers le néo-impressionnisme.

Caractéristiques essentielles

L'impressionnisme fut moins une doctrine qu'un ensemble d'habitudes apparentées. Au sein de la pratique diverse du groupe, quelques traits reviennent avec une telle constance qu'ils ont fini par définir ce que l'on entend aujourd'hui couramment par « impressionniste ».

Le plus contre-intuitif de ces traits fut le traitement de l'ombre. Les peintres académiques recouraient au brun et au noir pour modeler les formes ; les impressionnistes abandonnèrent presque entièrement le noir, rendant les ombres en violets, bleus et couleurs complémentaires. Le résultat, pour des spectateurs habitués aux toiles du Salon, fut d'une éclatante luminosité — les tableaux semblaient, comme s'en plaignit un critique du début, avoir été peints à la lumière du gaz.

• Des touches courtes, visibles et brisées qui ne cherchent pas à dissimuler l'acte de peindre.
• Une attention portée à la représentation de la lumière naturelle et de ses qualités changeantes au fil du temps.
• Des pigments purs non mélangés posés côte à côte sur la toile pour un mélange optique dans l'œil du spectateur.
• Des sujets ordinaires et contemporains — cafés, boulevards, jardins, loisirs — au lieu de la mythologie ou de l'histoire.
• Des compositions asymétriques et recadrées influencées par les estampes japonaises et par la photographie.
• La peinture en plein air, directement dehors, achevant souvent une toile en une seule séance.
• La quasi-abolition du noir, les ombres étant rendues en violets, bleus et couleurs complémentaires.

Techniques et matériaux de peinture

Travailler en plein air à grande vitesse imposait des innovations techniques qui distinguaient les toiles impressionnistes de tout ce qui les avait précédées. Les artistes posaient un fond blanc ou clair plutôt que la traditionnelle imprimatura sombre, ce qui maintenait l'éclat des couleurs. Ils appliquaient la peinture en empâtements épais (impasto) directement sortis du tube, souvent sans dessin préparatoire. Ils utilisaient de larges brosses plates plutôt que les fines martres des ateliers académiques.

Monet poussa la méthode le plus loin. Dans ses séries des années 1890 — les Meules, les Peupliers, la Cathédrale de Rouen, le Parlement de Londres — il travaillait sur plusieurs toiles simultanément, passant de l'une à l'autre à mesure que la lumière changeait, ne consacrant parfois pas plus de quinze minutes à chacune avant que les conditions ne se modifient. Il peignait le temps autant qu'il peignait le lieu.

Degas, au contraire, ne travailla presque jamais en extérieur. Ses répétitions de ballet, ses champs de courses et ses blanchisseuses étaient composés à l'atelier d'après des esquisses, des photographies et la mémoire. Son engagement n'allait pas à la pratique du plein air mais à la représentation de la vie parisienne moderne sous des angles obliques et excentrés qui rappelaient les instantanés photographiques. L'exemple de Degas nous rappelle que l'impressionnisme était une alliance souple, et non un programme uniforme.

1. Commencer par une toile préparée en clair ou en blanc pour maintenir les valeurs élevées des couleurs.
2. Sauter le dessin préparatoire ; poser les masses à la brosse large.
3. Mélanger le moins possible sur la palette — placer les couleurs complémentaires directement côte à côte sur la toile.
4. Travailler alla prima (frais sur frais), en cherchant à terminer une toile tant que le motif et la lumière restent stables.
5. Utiliser des violets, des bleus et des complémentaires — et non du noir — pour les ombres.

Les peintres de l'impressionnisme

Une douzaine d'artistes environ formèrent le noyau du mouvement, avec une autre douzaine à la périphérie. Chacun apportait un tempérament distinct : Monet était obsédé par la lumière, Degas par le mouvement, Pissarro par le travail rural et suburbain, Renoir par la figure humaine, Morisot par les scènes domestiques intimes, Cassatt par le lien entre mères et enfants, Caillebotte par la géométrie du Paris moderne. Ce qui les unissait n'était ni le sujet ni le style, mais un refus partagé du fini académique et la volonté de se soutenir mutuellement face à l'échec commercial.

Claude Monet

1840–1926

Figure fondatrice ; praticien le plus constant de la méthode du plein air ; il a ensuite conduit la dissolution de la forme dans la couleur et la lumière pures.

Pierre-Auguste Renoir

1841–1919

Maître de la figure dans la lumière ; étroitement associé à Monet lors de l'été fondateur de La Grenouillère en 1869.

Edgar Degas

1834–1917

Peintre des danseuses, des champs de courses et des blanchisseuses ; il a résisté à la pratique du plein air mais partageait l'attachement du groupe à la vie moderne.

Camille Pissarro

1830–1903

Aîné du groupe et seul peintre à avoir exposé aux huit expositions impressionnistes ; mentor de Cézanne et de Gauguin.

Berthe Morisot

1841–1895

Figure fondatrice ayant exposé à sept des huit expositions du groupe ; ses scènes domestiques ouvrirent de nouveaux horizons aux femmes peintres dans la France de la fin du XIXe siècle.

Alfred Sisley

1839–1899

Paysagiste le plus constamment engagé du groupe ; il a consigné les environs de Paris et la vallée du Loing.

Gustave Caillebotte

1848–1894

Peintre du Paris moderne ; mécène financier du groupe et donateur de la collection Caillebotte qui devint le fondement des collections impressionnistes de l'État français.

Mary Cassatt

1844–1926

Expatriée américaine qui exposa avec le groupe à partir de 1879 ; elle apporta les idées compositionnelles de l'estampe japonaise à la représentation des mères et des enfants.

Édouard Manet

1832–1883

Pont entre le réalisme et l'impressionnisme ; il refusa d'exposer avec le groupe mais partagea son engagement pour la touche plate et les sujets modernes.

Œuvres emblématiques de l'impressionnisme

Une poignée de tableaux en sont venus à représenter l'ensemble du mouvement — en partie parce qu'ils illustrent ses innovations formelles, en partie parce que les générations de visiteurs des musées ont appris à les voir comme le canon impressionniste. Chacun récompense un regard attentif autant pour ce avec quoi il a rompu que pour ce qu'il a accompli.

Impression, Sunrise

Claude Monet · 1872

Musée Marmottan Monet, Paris

La toile dont le titre a donné son nom au mouvement ; une vue brumeuse du port du Havre peinte à l'aube avec le soleil orange reflété dans une eau agitée.

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir · 1876

Musée d'Orsay, Paris

Un dimanche après-midi en lumière pommelée au bal de Montmartre ; l'une des plus grandes peintures de figures en plein air jamais tentées.

The Dance Class

Edgar Degas · 1874

Musée d'Orsay, Paris et Metropolitan Museum of Art, New York

Les coulisses de l'Opéra de Paris ; le point de vue oblique, le groupement décentré et les figures recadrées révèlent la dette de Degas envers l'estampe japonaise et la photographie.

Paris Street; Rainy Day

Gustave Caillebotte · 1877

Art Institute of Chicago

Une vue presque photographique de la place de Dublin sous la pluie ; la géométrie du Paris reconstruit par Haussmann rendue avec une précision impassible.

Luncheon of the Boating Party

Pierre-Auguste Renoir · 1880–1881

The Phillips Collection, Washington

Un déjeuner au bord de l'eau à la Maison Fournaise près de Paris ; quatorze amis de Renoir posèrent au cours de plusieurs séances pour la toile achevée.

Boulevard Montmartre series

Camille Pissarro · 1897

Divers — Hermitage, Pouchkine, Israel Museum, autres

Peinte depuis la fenêtre d'un hôtel sur quatorze toiles consignant le boulevard à différentes heures, saisons et conditions météorologiques ; chef-d'œuvre tardif d'observation urbaine de Pissarro.

Water Lilies (Nymphéas) cycle

Claude Monet · 1896–1926

Musée de l'Orangerie, Musée Marmottan, MoMA, autres

Environ 250 toiles du bassin du jardin de Monet à Giverny ; les plus grandes culminent dans les salles ovales immersives de l'Orangerie et font le pont entre l'impressionnisme et l'abstraction du XXe siècle.

Réception critique et acceptation tardive

L'accueil réservé aux premières expositions impressionnistes alla de la perplexité à l'hostilité déclarée. La presse grand public traita les toiles de plaisanteries, d'œuvres de fous ou de preuves d'un déclin culturel. Les ventes étaient médiocres ; plusieurs artistes, en particulier Monet, vécurent de graves difficultés financières à la fin des années 1870. Paul Durand-Ruel, le marchand qui prit le pari du groupe et bâtit finalement le marché international de leurs œuvres, faillit lui aussi faire faillite.

Le tournant s'amorça dans les années 1880, lentement et inégalement. L'exposition organisée par Durand-Ruel à New York en 1886 ouvrit le marché américain. Dans les années 1890, de riches collectionneurs américains — parmi eux Henry Havemeyer, Bertha Honoré Palmer et Louisine Havemeyer — achetaient avec énergie. La série de la Cathédrale de Rouen de Monet fut presque entièrement vendue dès 1895. Lorsque les artistes moururent au début du XXe siècle, les toiles impressionnistes qui avaient été raillées trente ans plus tôt entraient dans les grands musées des deux côtés de l'Atlantique, et le mouvement avait amorcé sa transition d'avant-garde radicale à favori du public.

Héritage et influence sur l'art moderne

L'effet le plus décisif de l'impressionnisme fut d'ouvrir une porte par laquelle les mouvements suivants s'engouffrèrent. Les post-impressionnistes — Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat — prirent la touche brisée et la couleur saturée comme points de départ, mais les poussèrent dans des directions radicalement différentes. Les analyses structurées de la forme par Cézanne alimentèrent directement le cubisme. Les distorsions expressives de la couleur et du trait chez Van Gogh ouvrirent la voie au fauvisme et à l'expressionnisme. Le pointillisme de Seurat systématisa l'intuition impressionniste du mélange optique des couleurs en une méthode quasi scientifique.

Au-delà de ces successeurs immédiats, l'impressionnisme démantela le présupposé selon lequel la peinture devait représenter une réalité stable, achevée et tridimensionnelle. Les dernières Nymphéas que Monet peignit entre 1916 et sa mort en 1926 se dissolvent presque entièrement en surface, en couleur et en geste ; elles furent exposées à Paris en 1927 — l'année suivant la mort de Monet — et préfiguraient de deux décennies l'abstraction « all-over » de Mark Rothko et de Jackson Pollock. En ce sens, l'impressionnisme est la charnière sur laquelle le XIXe siècle bascule dans le XXe.

• Le post-impressionnisme (Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat)
• Le néo-impressionnisme / pointillisme
• Le fauvisme
• L'expressionnisme
• Le cubisme (via Cézanne)
• L'expressionnisme abstrait (via le Monet tardif)

Où voir l'art impressionniste aujourd'hui

La plus grande concentration unique se trouve au Musée d'Orsay à Paris, installé dans une ancienne gare de 1900 sur la rive gauche — ses galeries impressionnistes au cinquième étage abritent la plus vaste collection de Monet, Renoir, Degas, Pissarro et Manet au monde. Le Musée de l'Orangerie, à quelques pas dans les Tuileries, abrite les deux salles ovales des dernières Nymphéas de Monet, que l'artiste avait conçues comme un environnement immersif.

En dehors de la France, l'Art Institute of Chicago, le Metropolitan Museum of Art à New York, la National Gallery de Londres, le musée Pouchkine de Moscou, la Courtauld Gallery de Londres et la National Gallery of Art de Washington possèdent toutes d'importantes collections. Le Museum of Fine Arts de Boston détient l'un des plus riches fonds de Monet hors de Paris. Beaucoup de ces œuvres sont disponibles en haute résolution dans les programmes d'accès libre des musées et peuvent être étudiées en détail chez soi — mais aucune reproduction ne restitue la surface, l'accroche de la touche réelle, le scintillement optique des couleurs complémentaires posées les unes à côté des autres.

Chronologie

1. 1841
   Invention du tube de peinture pliable

   Le peintre américain John Goffe Rand fait breveter le tube de peinture en métal, rendant la peinture en plein air pratique pour la première fois.

2. 1863
   Salon des Refusés

   Napoléon III ordonne que les œuvres rejetées du Salon de Paris de cette année-là — dont Le Déjeuner sur l'herbe de Manet — soient présentées dans une exposition parallèle qui fait scandale à Paris.

3. 1869
   L'été de La Grenouillère

   Monet et Renoir peignent côte à côte dans la station balnéaire des environs de Paris, élaborant la touche brisée qui définira l'impressionnisme mature.

4. 1872
   Impression, soleil levant peinte

   Monet achève la vue brumeuse du port du Havre qui donnera son nom au mouvement.

5. 1874
   Première exposition impressionniste

   Trente artistes exposent 165 œuvres dans l'ancien atelier de Nadar, boulevard des Capucines. Le critique Louis Leroy forge le terme « impressionnistes » comme une insulte.

6. 1886
   Huitième et dernière exposition du groupe

   La dernière exposition du groupe impressionniste. Seurat expose Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte, marquant la transition vers le néo-impressionnisme.

7. 1895
   Série de la Cathédrale de Rouen de Monet

   Durand-Ruel expose 20 toiles de la cathédrale par Monet. Elles sont presque toutes vendues immédiatement — signe que le marché a définitivement basculé.

8. 1926
   Mort de Monet

   Monet meurt à Giverny le 5 décembre, ayant consacré sa dernière décennie au cycle des Nymphéas qui sera installé à l'Orangerie un an plus tard.

Influencé par

• La peinture de paysage en plein air de l'école de Barbizon
• La théorie des couleurs d'Eugène Delacroix
• Les estampes japonaises ukiyo-e (Hokusai, Hiroshige, Utamaro)
• La touche et les sujets contemporains d'Édouard Manet
• Les conventions de cadrage et de recadrage de la photographie

À lire ensuite

• ArtistesVincent van Gogh : vie, peintures et naissance de l'art moderneVincent van Gogh (1853-1890) était un peintre post-impressionniste néerlandais dont la couleur vive et la touche expressive ont façonné l'art du XXe siècle.

Questions fréquentes

Sources

• Impressionism | Smarthistory(Editorial reference)
• Impressionism | Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art(Editorial reference)
• Impressionism — Wikipedia(CC BY-SA 3.0)
• Musée d'Orsay — Collection: Impressionism(Editorial reference)